Luces de la ciudad

CRÍTICA: Agnosia (*)

2010-11-07T19:47:00.000-08:00

Agnosia, producción de elevado presupuesto auspiciada por Telecinco Cinema, bebe sus fuentes en el éxito del cine español de género en los últimos tiempos. Sin embargo, nada más lejos de la realidad: pese a ser vendida como un relato gótico, la cinta de Eugenio Mira se trata más de un thriller decimonónico desarrollado en la Barcelona de la revolución industrial.

Buscando cierta vocación comercial internacional, la película no ahonda en este trasfondo histórico de evidente interés, reduciendo la narración a una intriga empresarial / científica de escaso interés, apoyada en un triángulo amoroso de nula credibilidad y emoción.

Desde un punto de vista formal, la película cumple con eficacia:su fotografía y ambientación son notables. Sin embargo, todos estos valores quedan reducidos a meros accesorios en una trama irregular, confusa y efectista.

La historia se centra en la hija de un científico que sufre de agnosia (enfermedad que le impide reconocer todo aquello que recibe a través de los sentidos). Sin embargo, este trauma, nunca suficientemente detallado, se convierto en un mero pretexto para crear una intriga descabellada.

Por otra parte, el triángulo sentimental carece de emoción y pasión. En esto influye la nula química entre su terceto protagonista: un gris Eduardo Noriega, un flojo Félix Gómez y una afectada Bárbara Goneaga nunca consiguen interesar al espectador en sus desventuras amorosas.

Por si fuera poco, la cinta cuenta en su parte final ciertos homenajes (mal) disimulados a la saga El Padrino (desde la ejecución de los conspiradores a ese final operístico que copia mal la tercera parte de la saga coppoliana) que acaban de arruinar definitivamente la función.

EN RESUMEN

Lo mejor: su ambientación de época.

Lo peor. la nula credibilidad del conjunto.

CRÉDITOS

Director: Eugenio Mira

Productor: Álvaro Augustín / Isaac Torrás

Guión: Javier Gullón / Antonio Trashorras

Fotografía: Unax Mendía

Montaje: José Luis Romeu

Reparto:

Eduardo Noriega ... Carles

Bárbara Goneaga ... Joana

Félix Gómez ... Vicent

Martina Gedeck ... Prevert

Sergi Mateu ... Artur Prats

Jack Taylor ... Meissner

CALIFICACIÓN: *

CRÍTICA: Los ojos de Julia (*** 1/2)

2010-10-31T16:12:00.000-07:00

El mayor problema que puede tener cualquier espectador a la hora de enfrentarse a Los ojos de Julia es la comparación. La unión de Belén Rueda junto a los productores de El Orfanato puede llevarnos a pensar en que se trata de una reedición de la anterior, es decir, una historia gótica de fantasmas plasmada con un estilo clásico.

Sin embargo, Los ojos de Julia es otra cosa: mezcla de intriga hitchcokiana, giallo italiano y psychothriller noventero, la nueva cinta del personalísimo Guillem Morales se convierte en uno de los placeres cinematográficos de este año en cuanto a cine nacional se refiere.

La cinta no oculta sus carácter multirreferencial y metalingüístico: a través de sus brillantes fotogramas desfilan numerosos homenajes a grandes clásicos del thriller del siglo XX, desde El fotógrafo del pánico al Silencio de los corderos, pasando por Psicosis o Sola en la oscuridad. Y aunque esto puede parecer una crítica no lo es: en el cine, como en todos los aspectos del conocimiento, lo aprehendido previamente influye en la construcción de nuestro discurso narrativo.

Morales, que debutó en la fallida El habitante incierto, manifiesta una capacidad visual poco habitual en nuestra cinematografía. Hace avanzar la historia no sólo mediante la palabra, sino también con una puesta en escena barroca y elaborada, alejada de la pereza habitual de muchos cineastas españolas, dejando para el recuerdo numerosas secuencias.

Esto no nos impide reconocerle fallos a la película, en especial, en el terreno narrativo. Y es que el guión cuenta con ciertos fallos que nos obligan a una suspensión de la credulidad, quizá excesiva. Pero, para que esto suceda, el director debe plasmar la historia de manera brillante. Si no, el espectador acaba fijándose en las piezas que no encajan y desconecta de aquello que está viendo en pantalla.

Pero no sólo de Guillem Morales depende el éxito de la película. Otra pieza fundamental es la magnífica interpretación de Belén Rueda - que soporta de manera ejemplar todo el peso dramático de la cinta-, apoyada por un estupendo plantel de secundarios: Francesc Orella, Julia Gutiérrez Caba, Joan Dalmau o Pablo Derqui.

Finalmente no podemos olvidar que, al igual que pasaba con El orfanato, la cinta cuenta con una estupenda factura técnica, poco habitual en nuestra cinematografía (a destacar su fotografía, banda sonora, montaje y sonido). Todos estos elementos ayudan a la película a tener una factura visual muy superior al de la mayoría de las producciones españolas estrenadas en la cartelera durante este año 2010.

EN RESUMEN

Lo mejor: La puesta en escena de Guillem Morales y la interpretación de Belén Rueda.

Lo peor: ciertos fallos en el guión.

CRÉDITOS

Director: Guillem Morales

Productor: Joaquín Padró / Mar Targarona / Guillermo del Toro

Guión:Guillem Morales / Oriol Paulo

Fotografía: Óscar Faura

Montaje: Joan Manel Vilaseca

Música: Fernando Velázquez

Reparto:

Belén Rueda ...

Lluís Homar ... Isaac

Pablo Derqui ... Iván

Francesc Orella ... Inspector Dimas

Julia Gutiérrez Caba ... Sra. Soledad

Joan Dalmau ... Críspulo

CALIFICACIÓN: *** 1/2

CRÍTICA: Di Di Hollywood (O)

2010-10-24T12:05:00.000-07:00

Tras el (moderado) éxito de Yo soy la Juani, historia de superación y exaltación de las chonis de extrarradio, Bigas Luna continúa en la misma línea con Di Di Hollywood. Cual mito de Fausto de andar por casa, su protagonista vende metafóricamente su alma para conquistar el estrellato hollywoodiense.

El gran problema de la cinta radica en varios aspectos: por un lado, falta la mirada pícara y morbosa del realizador catalán en su anterior viaje al mundo del "chonismo". En Di Di Hollywood todo es plano, tópico y sin mordiente alguna.El realizador acumula todos los estereotipos posibles (los castings cutres; el ascenso vía vaginal; la relación ficticia con un actor armarizado; el agente manipulador, etc), ya vistos previamente y habituales en cualquier telefilm de fin de semana.

Por otro lado, es muy difícl empatizar con su protagonista. Nadie duda que la Juani de su película era soez y ordinaria, pero Verónica Echegui aportaba una frescura y garra al personaje que conseguía redimirlo a los ojos de los espectadores. Esto no pasa con la protagonista de Di Di, ya Elsa Paraky es incapaz de dotar de cualquier registro dramático a su protagonista.

El resultado final es una película rutinaria, carente de cualquier atisbo de personalidad. Si Bigas Luna pretendía mostrarnos los entresijos más oscuros de la meca del cine fracasa de manera estrepitosa, ya otros directores lograron eso muchísimo mejor (del clásico Cautivos del Mal de Vicente Minelli a la más reciente Mulholland Drive de David Lynch, por poner dos ejemplos).

EN RESUMEN

Lo Mejor: su dirección de producción.

Lo Peor: la falta de garra de la propuesta.

CRÉDITOS

Director: Bigas Luna

Productor: Beatriz Bodegas / Bigas Luna

Guión: Carmen Chaves / Bigas Luna

Fotografía: Albert Pascual

Montaje: Regino Hernández / Jaume Martí

Reparto:

Elsa Pataky ... Diana Díaz

Peter Coyote ... Michael McLean

Paul Sculfor ... Steve Richards

Giovanna Zacarías ... Nora

Luis Hacha ... Robert

Flora Martínez ... Marías

CALIFICACIÓN: O

CRÍTICA: Pan negro (****)

2010-10-17T10:10:00.000-07:00

El (siempre) interesante Agustí Villaronga aborda en su nueva película Pan negro un acercamiento a la postguerra española, donde la miseria moral afecta a partes iguales a vencedores y vencidos. Desde uno de los inicios más impactantes vistos en el reciente cine español, el realizador aborda ese período histórico con pesimismo lacerante. En la película, desarrollada en una pequeña población del interior de Cataluña, Villaronga nos muestra los estragos, visibles e invisibles, que han dejado la contienda: mutilaciones en menores de edad; humillaciones de los perdedores; altanería e impunidad de los vencedores, pobreza, hambruna y desesperación.

A priori estos temas ya han sido tratados previamente, pero la diferencia está en la forma en que los expone Villaronga con una precisión cortante y fría, más cercanos a Haneke que a la mayoría de autores españoles. El autor evita caer en el dogmatismo de estas propuestas: como consecuencia del conflicto armado, la vileza y podredumbre ética acaba afectando no sólo a vencedores sino también a vencidos; a adultos y a niños. En cierta manera, con el trasfondo del conflicto bélico y fascismo, Pan negro es a nuestro país, lo que puede ser la excepcional La cinta blanca a Alemania.

Por otra parte, la atmósfera de la cinta, en ocasiones, se adentra en el terreno de lo onírico, creíble siempre al contar con un narrador de los acontecimientos menor de edad, reverso oscuro del protagonista de la excelente cinta de Montxo Armendáriz, Secretos del corazón. Además, la película enlaza, gracias a la subtrama del hospital de tuberculosos, con la mejor obra de este cronista de su realizador, El mar, convirtiéndose en un perfecto díptico acerca de la postguerra franquista.

Si la factura técnica de la película es ejemplar (con mención especial al trabajo fotográfico y de ambientación), el carácter coral de la cinta permite aglutinar numerosos rostros en pantalla, algunos desconocidos y otros con una mayor trayectoria, todos ellos impecables. Dentro de todos ellos cabe destacar la labor de Nora Navas - premio de interpretación femenina en el pasado Festival de San Sebastián -, en un papel que va evolucionando a lo largo de la trama, alcanzando al final momentos memorables (el enfrentamiento con el alcalde fascista Sergi López). Igualmente cabe destacar a su protagonista Francesc Colomer o Roger Casamajor, estupendos en los papeles del hijo y marido de pasado sindicalista de la protagonista.

EN RESUMEN

Lo mejor: la puesta en escena de Villaronga y todo su reparto.

Lo peor: alguna subtrama podría haber sido eliminada.

CRÉDITOS

Director: Agustí Villaronga

Productor: Lluís Ferrando / Isona Passola

Guión: Agustí Villaronga

Fotografía: Antonio Riestra

Montaje: Raúl Román

Música: José Manuel Pagán

Reparto:

Francesc Colomer ... Andreu

Nora Novas ... Florencia

Roger Casamajor ...Farriol

Marina Comas ... Nuria

Lluisa Castell ... Ció

Marina Gatell ... Enriqueta

CALIFICACIÓN: ****

CRÍTICA: Buried (****)

2010-10-03T07:36:00.000-07:00

Presentada con éxito en el pasado Festival de Sundance, Buried supone la segunda incursión cinematográfica de Rodrigo Cortés. El realizador gallego ya demostró una brillantez visual, poco habitual en un debutante, en su ópera prima Concursante. Aquella se veía afectada por un cierto exceso formal que, pese a sus defectos, resultaba una experiencia cinematográfica altamente satisfactoria.

Buried sigue mostrando esa brillantez en su apariencia pero apoyada, para la ocasión, en una estructura narrativa férrea que no deja ningún cabo suelto: la película nos narra las desventuras de un inocente enterrado vivo por insurgentes iraquíes. La narración se desarrolla, en todo momento, entre esas angustiosas 4 paredes, sin acudir a recursos cinematográficos externos (acciones paralelas, flashbacks).

En el fondo, Cortés acaba construyendo una intriga hitchcokiana, pero una intriga a la altura del maestro inglés. Reducida la acción a un espacio limitado y con mínimos elementos accesorios, el realizador mueve la cámara de manera ejemplar, aportado un ritmo incesante a una cinta, en la que su protagonista (un soberbio Ryan Reynolds) prácticamente no tiene movilidad alguna. El director se ve apoyado en su labor en unos (mínimos) aspectos técnicos sensacionales. Así, tanto la labor fotográfica, como el montaje, sonido o banda sonora completan una cinta que demuestra que, en ocasiones, menos es más.

Pero, al margen de su capacidad como ejercicio de estilo ejemplar, la película lanza uno de los mensajes más desoladores en relación a la terrible guerra de Irak: una crítica, sin paliativos, a un conflicto donde se mezclan una pésima estrategia militar, una burocracia incompetente y unos intereses comerciales despreciables, que convierten al ser humano en una pieza prescindible en el tablero de la geopolítica internacional.

EN RESUMEN

Lo mejor: Prácticamente todo, con mención especial a Cortés y Reynolds.

Lo peor: obliga a una mínima suspensión de credulidad.

CRÉDITOS

Director: Rodrigo Cortés

Productor: Adrián Guerra / Peter Safran

Guión: Chris Sparling

Fotografía: Eduard Grau

Montaje: Rodrigo Cortés

Música: Víctor Reyes

Reparto:

Ryan Reynolds ... Paul Conroy

José Luis Gª Pérez ... Jabir (voz)

Robert Paterson ... Dan Brenner (voz)

Stephen Tobolowsky ... Alan Davenport (voz)

Samantha Mathis ... Linda Conroy (voz)

Ivana Miño ... Pamela Lutti

CALIFICACIÓN: ****

CRÍTICA: Lope (** 1/2)

2010-09-05T07:34:00.000-07:00

Superproducción española de época (con participación carioca), Lope probablemente decepcione a muchos espectadores. La película, dirigida por el brasileño Andrucha Waddington, trata de realizar una producción comercial que combina características procedentes de éxitos previos: Alatriste (por la descripción de los ambientes de la España de la época) y Shakespeare enamorado (a la hora de crear una ficción sentimental alrededor de la figura de uno de nuestros más ilustres escritores).

Si nos atenemos al resultado final, Lope triunfa como producto comercial y flaquea como obra de calado artístico: Lope nunca trata de ser un biopic al uso, sino una elucubración romántico con la figura central del prolífico autor, antes de convertirse en leyenda. Por ello, la película deambula por el cine de época, el romántico, el de espadachines o el de aventuras, sin definirse nunca.

El realizador brasileño cumple su labor con la eficacia de un artesano, correcto pero sin especial brillo, apoyado en una fotografía plana, más propia de la pequeña pantalla que las salas de cine.

En el terreno de la recreación histórica la cinta aprueba con nota, asumiendo la distancia presupuestaria que existe entre el cine nacional de época en relación a otras cinematografías europeas más potentes (francesa o inglesa, por ejemplo). Tanto la dirección artística como el vestuario no desmerecen de ciertas obras europeas de mayor calado. Igualmente destacaría la estupenda banda sonora a cargo del ascendente Fernando Velázquez, con un brillante tema de amor.

Sin embargo, todo ello sería más bien poco si la historia no funcionase: si bien, la cinta empieza de manera harto regular, va ganando enteros según avanza la proyección. A esto ayuda la labor de un reparto convincente en su totalidad, en el que destacarían su protagonista (un carismático Alberto Amman), una luminosa Leonor Watling y, en especial, una excelente Pilar López de Ayala, en un registro dramático alejado a lo que es habitual en ella.

EN RESUMEN

Lo mejor: su falta de pretensiones.

Lo peor: cierta falta de garra en algunas secuencias.

CRÉDITOS

Director: Andrucha Waddington

Productor: Mercedes Gamero /Teddy Villalba

Guión: Jordi Gasull / Ignacio del Moral

Fotografía: Ricardo della Rosa

Montaje: Sergio Mekler

Música: Fernando Velázquez

Reparto:

Alberto Amman ... Lope de Vega

Leonor Watling ... Isabel

Pilar López de Ayala ... Elena Osorio

Juan Diego ... Jerónimo Velázquez

Luis Tosar ... Frai Bernardo

Antonio de la Torre ... Juan de Vega

CALIFICACIÓN: ** 1/2

CRÍTICA: Conocerás al hombre de tus sueños (**)

2010-08-29T07:32:00.000-07:00

Nueva coproducción española del genio neoyorkino, Conocerás al hombre de tus sueños vuelve a demostrarnos que, en su reciente etapa europea, Woody Allen es capaz de obras de gran calado y otras menores. Si en el primer grupo se podría incluir la excelente Match Point o la notable Vicky Cristina Barcelona (pese a sus incongruencias narrativas), ésta se aproxima más a la fallida El sueño de Casandra.

El afamado realizador desarrolla para la ocasión una comedia dramática de carácter coral situada, de nuevo, en la capital británica. A lo largo de su metraje veremos la búsqueda (infructuosa) de una serie de sus personajes de la felicidad, ya sea laboral o afectiva. Irónicamente sólo los personajes con menor nivel intelectual llegarán a la misma, gracias al autoengaño en el que viven. Por contra, los personajes con mayor capacitación profesional fracasarán en el intento, incluso llegando a cometer actos desesperados de dudosa moralidad.

El problema mayor de la película es que todo lo anterior ya nos lo contó Allen en obras previas superiores como Delitos y Faltas o Maridos y mujeres, entre otras: Conocerás al hombre de tus sueños acaba pareciendo una película formada por descartes. La historia cuenta con alguna secuencia simpática dentro de un conjunto anodino, apoyado una puesta en escena rutinaria. Por todo ello, la película acaba no aportando nada novedoso a la filmografía ya de por sí extraordinaria del director.

Sin embargo, pese a no ser una obra importante, la película se sitúa muy por encima de la casi totalidad de la comedia nacional estrenada este año - francamente horrible - y, cuenta entre sus principales bazas, con un reparto entregado a las ordenes del afamado cineasta, en el que destacan - por méritos propios - unos excelentes Josh Brolin y Naomi Watts.

EN RESUMEN

Lo mejor: la pareja formada por Naomi Watts / Josh Brolin.

Lo peor: se trata de una obra prescindible de Allen

CRÉDITOS

Director: Woody Allen

Productor: Letty Aronson / Jaume Roures

Guionista: Woody Allen

Fotografía: Vilmos Zsigmond

Montaje: Alisa Lepselter

Reparto:

Josh Brolin ... Roy

Naomi Watts ... Sally

Anthony Hopkins ... Alfie

Gemma Jones ... Helena

Antonio Banderas ... Greg

Freida Pinto ... Dia

CALIFICACIÓN: **

CRÍTICA: Una hora más en Canarias (*)

2010-07-18T07:29:00.000-07:00

David Serrano se dio a conocer a través de la comedia musical El otro lado de la cama, dirigida con mano maestra por Emilio Martínez Lázaro. El debutante, tras este éxito arrollador, siguió participando en el terreno de la comedia musical a través del guión de la (simpática) secuela de la cinta antes mencionada, o mediante el libreto del (mediocre) musical teatral Hoy no me puedo levantar.

En su carrera paralela como realizador, Serrano no se acercó al terreno musical salvo de manera tangencial en su segunda película Días de cine, a través de la figura de la folclórica que trata de resucitar su carrera a través de una película del destape en la transición española.

Es en esta su tercera cinta cuando el realizador aborda el género cinematográfico que le dio la fama. Sin embargo, el fallido resultado final nos hace pensar que los aciertos previos se pudieron deber más a elementos ajenos a su persona: un director solvente y un reparto en estado de gracia.

El gran problema de Serrano es su verborrea narrativa: la historia de un enredo sentimental a 4 bandas se resiente de un exceso de diálogo, situaciones supuestamente cómicas y números musicales prescindibles en su mayoría. Es verdad que hay algún momento salvable, tanto en el terreno musical como cómico, pero son momentos esporádicos en un conjunto irregular y desequilibrado.

Otra de las diferencias frente al musical de Martínez Lázaro, es la falta de carisma de su trío protagonista: Quim Gutiérrez no cuenta con un timing cómico adecuado y está forzado en todo momento. Lo mismo se podría decir tanto de una Juana Acosta (en versión cañí de la insoportable Renee Zellwegger), o de una acelerada Angie Cepeda, que mejora algo según avanza la narración.

Por eso no de extrañar que en esta floja comedia musical lo mejor acabe siendo sus actores de reparto (en especial una excelente por su comicidad Miren Ibarguren), capaces de robar plano a los protagonistas.

EN RESUMEN

Lo Mejor: Miren Ibarguren

Lo Peor: la irregularidad del conjunto.

CRÉDITOS

Director: David Serrano

Productor: Tomás Cimadevilla

Guión: Olga Iglesias / David Serrano

Fotografía: Carlos Ferro

Montaje: Nacho Ruiz Capillas

Música: Alejandro Serrano

Reparto:

Quim Gutiérrez ... Pablo

Angie Cepeda ... Claudia

Juana Acosta ... Mónica

Miren Ibarguren ... Elena

Eduardo Blanco ... Eduardo

Diego Martín ... Germán

CALIFICACIÓN: *

CRÍTICA: La vida empieza hoy (**)

2010-06-27T11:09:00.000-07:00

La vida empieza hoy supone la nueva cinta de la peculiar realizadora Laura Mañá (Sexo por compasión). En ella se aborda el tema del sexo en la tercera edad, tema tabú en la sociedad actual, pese al progresivo envejecimiento de la población debido a una mayor longevidad gracias a los avances del estado del bienestar.

La directora aborda el tema desde una perspectiva coral, centrada en varios personajes de avanzada edad que acuden a clases de sexología en un centro social. El mensaje que lanza la realizadora es claro: hay que disfrutar de todos los placeres de la vida hasta los últimos momentos.

Al tratrarse de personajes mayores, Mañá aborda el tema con humor y cierto pudor, sin llegar a una transgresión total. Eso supone que la cinta se vea influenciada de cierto tono de sitcom nacional: abundancia de plano-contraplano; planos medios y falta de riesgo visual. Igualmente a nivel narrativo, la película salta de la comedia al drama, pasando por cierto grado de sentimentalismo, pero sin definirse en ninguno de ellos. En cierta manera, se trata de agradar a todo tipo de espectadores con un tema, que tratado de una manera más visceral, pudiera ser chocante o molesto.

Como consecuencia de ello, el mayor valor de la cinta acaba siendo su estupendo reparto de veteranos interpretes con una Pilar Bardem a la cabeza en uno de sus mejores papeles, acompañada por unos excelentes SonsolesBenedicto y Osvaldo Santoro.

EN RESUMEN

Lo mejor: su veterano reparto.

Lo peor: cierta falta de riesgo.

CRÉDITOS

Directora: Laura Mañá

Productor: Antonio & Quique Camín

Guión: Alicia Luna / Laura Mañá

Fotografía: Mario Montero

Montaje: Lucas Nolla

Música: Xavier Capellas

Reparto:

Pilar Bardem ... Juanita

Sonsoles Benedicto ... Herminia

Osvaldo Santoro ... Julián

Lluis Marco ... Pepe

Mariana Cordero ... Rosita

Rosa Mª Sardá ... Olga

CALIFICACIÓN: **

CRÍTICA: Pájaros de papel (***)

2010-05-14T07:14:00.000-07:00

El famoso showman (y ahora empresario televisivo) Emilio Aragón debuta en el mundo de la realización cinematográfica con Pájaros de papel.

La cinta nos narra las andanzas de un par de cómicos en la triste y miserable posguerra española, donde los vencedores humillaban a los vencidos, donde la pobreza campaba a sus anchas y donde la esperanza de un futuro mejor parecía inalcanzable.

Aragón no trata de debutar con algo novedoso en la cinematografía nacional: la cinta bebe de modélicos antecedentes fílmicos, desde Cómicos a Ay Carmela, pasando por El viaje a ninguna parte.

Para ello el novel director se basa en un clásica (y nada rompedora) puesta en escena que apela a la nostalgia, emoción y sensibilidad. Desde este punto de vista, difícilmente la cinta será del agrado de la sesuda crítica cinematográfica, ya que apuesta claramente por un cine de corte popular.

Nadie puede negar que la película es manipuladora desde un punto de vista emocional: establece claramente quiénes son los buenos y malos y, en ciertos momentos, su sentimiento puede llegar a caer en una cierta búsqueda desesperada de la lágrima fácil.

Sin embargo, la cinta cuenta con numerosas bazas a su favor que generan una enorme simpatía en quién esto suscribe: por un lado, la sensación de un cine contracorriente de las modas que basa su efectividad en aspectos tan fundamentales como una férrea puesta en escena, una factura técnica irreprochable y un reparto en estado de gracia.

Mención aparte merece la labor de todo su reparto, encabezado por un excepcional Imanol Arias, un emotivo Lluis Homar, un ascendente Roger Princep y una impecable Carmen Machi.

Puede ser que la cinta no pase a los anales de la cinematografía española, pero uno siempre la preferirá a muestras de amauterismo escrito, pretenciosidad audiovisual y mediocridad interpretativa que pueblan últimamente nuestro cine.

EN RESUMEN

Lo Mejor: todo su reparto, en especial, un inmenso Imanol Arias.

Lo Peor: cierto abuso de la lágrima fácil.

CRÉDITOS

Director: Emilio Aragón

Productor: Emilio Aragón / Mercedes Gamero

Guión: Emilio Aragón / Fernando Castets

Fotografía: David Omedes

Montaje: José Salcedo

Música: Emilio Aragón

Reparto:

Imanol Arias ... Jorge del Pino

Lluis Homar ... Enrique Corgo

Roger Princep ... Miguel

Carmen Machi ... Rocío Moliner

Fernando Cayo ... Capitán Montero

Diego Martín ... Quiroga

CALIFICACIÓN: ***

CRÍTICA: Habitación en Roma (O)

2010-05-09T07:15:00.000-07:00

Una de las figuras más relevantes de la cinematografía nacional de la última década es, sin lugar a duda, Julio Medem. El realizador vasco, desde su inicial Vacas (1992), ha sido capaz de dividir al cinéfilo nacional en 2 grupos muy diferenciados: uno, que apoya su cine elevándolo por su capacidad poética y evocadora y, otro, que acusaba al realizador de vacuo y pretencioso.

Estas 2 corrientes antagónicas, sin embargo, han acabado convergiendo en una única y mayoritaria contraria al realizador en los últimos años. Y es que la (indefendible) Caótica Ana suponía una caída libre de Medem, de la que parecía que sólo cabía una posible recuperación cinematográfica futura.

Desgraciadamente esto no ha sucedido con Habitación en Roma. Inicial producto de encargo, tras el fracaso artístico y comercial de la anterior aventura fílmica del director, Habitación en Roma supone un remake de la interesante película chilena En la cama.

En ella se narraba el encuentro sexual ocasional de 2 desconocidos en un motel de carretera, en el que, entre polvo y polvo, dichos personajes se iban desnudando más allá del físico. mostrando sus debilidades, inquietudes o miedos.

Medem traslada la acción del país andino a la capital romana (aunque todo se desarrolla de puertas para adentro) y cambia la orientación sexual de sus protagonistas, de la original pareja heterosexual a una homosexual formada por dos mujeres.

Lo que en la notable película chilena era sencillez, sinceridad y humanidad se transforma aquí en un relato pomposo, fatuo e impostado. Los diálogos entre sus protagonistas (una forzada Elena Anaya y una fría Natasha Yarovenko) resultan casi siempre risibles e increíbles, cuando no sonrojantes.

Medem no puede evitar "querer ser autor a toda costa" en una cinta que requería más una labor artesanal, en el sentido mejor de la palabra. Cada plano, momento, diálogo quiere ser más de lo que es. La película abusa de un barroco escénico cargante e insufrible: alegorías históricas y metáforas mitológicas pueblan un relato que se aleja de la sencillez del original para convertirlo en una discurso vacío.

A esto tampoco ayuda la puesta en escena de Medem, manierista a más no poder, apoyada en una enfática y altisonante partitura de Jocelyn Pook, compositora de los últimos trabajos del director.

En resumen, su intensidad y poética forzada y falsa acaban convirtiendo la película en un horror cinematográfico, superior al de su anterior Caótica Ana, algo que este cronista nunca pensó que llegaría a decir.

EN RESUMEN

Lo Mejor: que nos remita a En la cama de Matías Bizé

Lo Peor: todo lo demás

CRÉDITOS

Director: Julio Medem

Productor: Alvaro Longoria / Julio Medem

Guión: Julio Medem

Fotografía: Álex Catalán

Montaje: Julio Medem

Música: Jocelyn Pook

Reparto:

Elena Anaya ... Alba

Natasha Yarovenko ... Natasha

Enrico Lo Verso ... Max

Nawja Nimri ... Edurne

CALIFICACIÓN: O

CRÍTICA. E.S.O. (*)

2010-04-30T07:24:00.000-07:00

E.S.O. (acrónimo de Entidad Sobrenatural Oculta), supone un insuficiente intento de desarrollar una aventura adolescente de corte sobrenatural con intenciones únicamente comerciales. El gran problema radica en una falta de ritmo narrativo interno y un pobre guión que difícilmente logrará atraer a ese público al que aspira llevar a las salas comerciales.

Dirigida por el inclasificable Santiago Lapeira, la cinta - rodada en su versión original en catalán y con un pobre doblaje al castellano - parece tratar de conjugar una tradicional historia de fantasmas con una aventura de los cinco de Enid Blyton.

Sin embargo, pese a ciertos aspectos de ambientación relativamente logrados, la película peca de un guión muy irregular. La cinta presenta as sus personajes y la supuesta intriga paranormal, pero tarda en demasía en desarrollar sus aspectos más terroríficos. Llegado el momento la cinta resuelve muchos de éstos fuera cámara y de la forma menos atractiva posible.

Apoyado en un reparto adolescente competente, desconocido para el gran público, y en unos secundarios con cierto nombre (Fernando Guillén, Rosana Pastor entre otros), la cinta se convierte en un fracasado intento de cine juvenil comercial, que difícilmente atraerá a gente mayor de 13 años.

EN RESUMEN

Lo mejor: su ambientación.

Lo peor: su falta de ritmo.

CRÉDITOS

Director: Santiago Lapeira

Productor: Mamen Boué

Guión: Santiago Lapeira

Fotografía: David Valldepérez

Montaje: Marc Dominici

Música: Santiago Lapeira

Reparto:

Cadhla Kennedy ... Axia

Oriol Puig ... Esteban

Clara Lapeira ... María

Paula Jiménez ... Sonia

David Maestro ... Pol

Natalia Pedra ... Paula

CALIFICACIÓN: *

CRÍTICA: Que se mueran los feos (O)

2010-04-25T07:18:00.000-07:00

Nacho G. Velilla regresa a nuestras pantallas tras su exitosa Fuera de carta. Su ópera prima consiguió conectar con el público, no así con una crítica que la acusó de tópica y de una puesta en escena televisiva. Sin embargo, para este cronista la película resultó una simpática comedia, que pese a sus carencias, mostraba cierto timing cómico y se apoyaba en un reparto ejemplar encabezado por Javier Cámara y Lola Dueñas.

Velilla cuenta de nuevo con una pareja de con gancho mediático: Javier Cámara y Carmen Machi, ambos procedentes de las series televisivas en las que debutó el realizador. La cinta nos narra la dificultad de un solitario, de nulo atractivo físico, para encontrar a su media naranja en un pueblo montañés. Su mala suerte parece cambiar con la aparición de su cuñada, una mujer capaz de sacar de quicio a cualquiera, pero que esconde a una romántica en su interior.

El argumento, en principio, pese a ser tópico, podría conseguir una cinta de agradable visionado. Sin embargo, en esta ocasión, la cinta acumula una series de chistes fáciles y estereotipos que acaban hundiéndola en la miseria. Durante gran parte del metraje la película nos somete a una sucesión de gags carentes de cualquier tipo de comicidad. Pero, lo que es peor, la historia gira en su tercio final hacia un romanticismo casposo, cursi y lamentable.

A esto se suma la escasa pericia tras las cámaras de Velilla, demasiado sujeto a la influencia televisiva. con una acumulación de planos fijos, escasamente cinematográficos. Tampoco ayudan las interpretaciones, pasadas de decibelios en todo momento. Es difícil recordar alguna interpretación peor todo su reparto, algo sorprendente con interpretes de tanta valía profesional como Javier Cámara o Carmen Machi.

EN RESUMIDAS CUENTAS

Lo Mejor: su (probable) éxito comercial, necesario en nuestra cinematografía.

Lo Peor: la (excesiva) influencia de la caja catódica en el panorama fílmico.

CRÉDITOS

Director: Nacho G. Velilla

Productor: Nacho G. Velilla / Mercedes Gamero

Guión: Oriol Capel / Nacho G. Velilla

Fotografía: David Omedes

Montaje: Ángel Hdez. Zoido

Música: Juanjo Javierre

Reparto:

Javier Cámara ... Eliseo

Carmen Machi ... Nati

Tristán Ulloa ... Abel

Hugo Silva ... Román

Juan Diego ... Auxilio

Ingrid Rubio ... Mónica

CALIFICACIÓN: O

CRÍTICA: Tensión sexual no resuelta (O)

2010-03-27T07:07:00.000-07:00

El inefable Miguel Ángel Lamata regresa nuestras pantallas. Autor de obras tan casposas como Una de zombies o Isi/Disi, su nueva propuesta nos lleva directamente a sufrir de escalofríos. Empezando por su título (Tensión sexual no resuelta), la producción de Santiago Segura (que se reserva el habitual papel secundario) y un reparto lleno de caras guapas procedentes del universo catódico, la cinta no puede contar con peores cartas de presentación.

La película defiende la tesis siguiente: el amor nos hace peor personas capaces de hacer lo que que sea para obtenerlo o mantenerlo. Para ello la historia avanza mediante mentiras, infidelidades y traiciones cruzadas.

La cinta podría ser un equivalente cómico, en versión juvenil, hormonal y gamberra, de la excelente obra Las amistades peligrosas. Pero la distancia entre una y otra es insalvable. La película se aproxima más a la horrible versión teen de la clásica novela perpetrada en los 90 bajo el título de Crueles intenciones.

La película acumula tópicos, situaciones ronsojantes, interpretaciones lamentables en su mayoría y un guión irregular. Lamata trata de poner en escena todo ello de la mejor manera posible. Apoyado en una eficaz factura técnica de grandes profesionales de nuestro cine (fotografía, música o montaje), el realizador muestra cierta capacidad de planificación, inexistente en sus obras previas. Sin embargo, pese a sus loables esfuerzos, la cinta fracasa en su conjunto.

EN RESUMEN

Lo mejor: es menos mala que ciertas comedias recientes.

Lo peor: la lamentables interpretaciones de la mayoría de su reparto.

CRÉDITOS

Director: Miguel Ángel Lamata

Productor: Andrés Vicente Gómez

Guión: Miguel Ángel Lamata
Fotografía: Teo Delgado
Montaje: Alejandro Lázaro

Música: Roque Baños
Reparto
Fele Martínez ... Juanjo
Norma Ruiz ... Jazz

Salomé Jiménez ... Celeste
Adam Jeziersky ... Nico
Amaia Salamanca ... Carmen
Miguel Ángel Muñoz ... Nardo

CALIFICACIÓN: O

CRÍTICA: El mal ajeno (**)

2010-03-20T07:17:00.000-07:00

Producida por el ya maduro ex niño prodigio del cine español (Alejandro Amenábar), El mal ajeno supone el debut tras las cámaras de Oskar Santos.

Santos aborda un relato de corte sobrenatural en el que prima la dimensión humana sobre la fantástica. La trama se centra en la historia de un médico de la Unidad del Dolor que comienza a tener la "habilidad" de curar a los enfermos. Sin embargo, dicho don acaba convirtiéndose en una maldición de dramáticas consecuencias.

El gran problema de El mal ajeno es su deseo de abarcar numerosos temas y géneros cinematográficos al mismo tiempo. A diferencia de su mentor Amenábar que debutó con una notable pieza de género (el thriller psicológico Tesis), el realizador - con la colaboración de Sánchez Arévalo al guión - no se define nunca por ninguno. La cinta salta del drama, a la intriga pasando por el melodrama de forma continua.

La historia acaba resultando confusa en ocasiones, simplista en otras. La película apuesta por unos sentimientos al límite cuando, probablemente, requería mayor contención. Ese exceso sentimental funcionaría si la historia resultase apasionante. Sin embargo, al no ser más que curiosa, acaba siendo fría y distante.

En el terreno interpretativo, Eduardo Noriega se convierte en lo mejor de la función. Nadie podrá negarle su esfuerzo interpretativo a la hora de acometer un personaje maduro. Por contra, sus compañeras de reparto, una eficaz Belén Rueda y una floja Angie Cepeda, sufren de la escasa definición de sus personajes.

EN RESUMIDAS CUENTAS

Lo mejor: Eduardo Noriega

Lo peor: la indefinición de géneros.

CRÉDITOS

Director: Oskar Santos.

Productor: Alejandro Amenábar / Fernando Bovaira

Guión: Daniel Sánchez Arévalo

Fotografía: Yosu Inchaustegui

Montaje: Carlos Aguiló

Música: Fernando Velázquez

Reparto:

Eduardo Noriega ... Diego

Belén Rueda ... Isabel

Angie Cepeda ... Sara

Cristina Plazas ... Pilar

Marcel Borrás ... Juanjo

Clara Lago ... Ainhoa

CALIFICACIÓN: **

PREMIOS GOYA 2010: Triunfo de Celda 211 y Ágora

2010-02-15T07:39:00.000-08:00

La Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España ha premiado hoy domingo, en la XXIV Edición de los Premios Goya, lo mejor del pasado año 2009. La ceremonia, presentada por un brillante Andreu Buenafuente, ha tenido un buen ritmo, apoyado en la falta de cortes publicitarios en la cadena pública.

La Academia ha aupado a Celda 211 como la película española de la temporada otorgándole 8 estatuillas. La superproducción Ágora alcanza la nada despreciable cifra de 7 premios, la mayoría de carácter técnico.

El resto de películas se han tenido que conformar a lo máximo con 1 o 2 galardones. El peor parado en la concesión de premios ha sido Fernando Trueba, cuya última película, El baile de la victoria, pese a contar con numerosas nominaciones, se ha ido de vacío.

Cabe también destacar que Ricardo Darín, que contaba con doble nominación como intérprete, no ha obtenido ninguna de las 2 a las que optaba.

La ceremonia ha contado con un discurso crítico del nuevo presidente de la institución, Álex de la Iglesia, con miras hacia un futuro complicado debido a la crisis económica, situación que afectará a todos los sectores porfesionales, incluido el cinematográfico.

El momento más emotivo ha sido la entrega del Goya Honorífico a toda una carrera a Antonio Mercero, que tuvo que entregarse días antes en su domicilio particular debido a una grave enfermedad.

En el anecdotario, la ceremonia supuso la primera vez que acudieron juntos a un evento Javier Bardem y Penélope Cruz, y la reaparación sorpresa de Pedro Almodóvar en para entregar el premio a la mejor película del año.

A continuación la relación de todos los ganadores de la XXIV Edición de los Premios Goya:

MEJOR PELÍCULA - Celda 211 de Morena Films, Telecinco Cinema y Vaca Film.

MEJOR DIRECCIÓN - Daniel Monzón por Celda 211

MEJOR DIRECCIÓN NOVEL - Mar Coll por Tres días con la familia

MEJOR INTERPRETACIÓN MASCULINA PROTAGONISTA - Luis Tosar por Celda 211

MEJOR INTERPRETACIÓN FEMENINA PROTAGONISTA - Lola Dueñas por Yo, también

MEJOR INTERPRETACIÓN MASCULINA DE REPARTO - Raúl Arévalo por Gordos

MEJOR INTERPRETACIÓN FEMENINA DE REPARTO - Marta Etura por Celda 211

MEJOR ACTOR REVELACIÓN - Alberto Amman por Celda 211

MEJOR ACTRIZ REVELACIÓN - Soledad Villamil por El secreto de sus ojos

MEJOR GUIÓN ORIGINAL - Alejandro Amenabar / Mateo Gil por Ágora

MEJOR GUIÓN ADAPTADO - Daniel Monzón /Jorge Guerricaechevarría por Celda 211

MEJOR FOTOGRAFÍA - Xaví Giménez por Ágora

MEJOR DIRECCIÓN DE PRODUCCIÓN - José Luis Escolar por Ágora

MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA - Guy Hendrix Dyas por Ágora

MEJOR VESTUARIO - Gabriella Pescucci por Ágora

MEJOR MAQUILLAJE Y/O PELUQUERÍA - Jan Sewell /Suzanne Stokes-Munton por Ágora

MEJOR CANCIÓN ORIGINAL - "Yo, también" de Yo, también por Guille Milkyway

MEJOR MÚSICA ORIGINAL - Alberto Iglesias por Los abrazos rotos

MEJOR MONTAJE - Mapa Pastor por Celda 211

MEJOR SONIDO - Sergio Burmann / Jaime Fernández / Carlos Faruolo por Celda 211

MEJORES EFECTOS ESPECIALES - Chris Reynolds / Félix Bergés por Ágora

MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN - Planet 51 de Antena 3 Films, Chuck & Lem, HandMade Films Limited, Ilion Studios

MEJOR PELÍCULA DOCUMENTAL - Garbo, el hombre que salvó el mundo de Centuria Films, Colosé Producciones, Ikiru Films y Televisió de Catalunya

MEJOR PELÍCULA EUROPEA - Slumdog Millionaire de Danny Boyle (Reino Unido)

MEJOR PELÍCULA DE HABLA HSPANA - El secreto de sus ojos de Juan José Campanella (Argentina)

MEJOR CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓN - La Dama y la Muerte de Javier Recio Gracia

MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL - Flores de Ruanda de David Muñoz López

MEJOR CORTOMETRAJE DE FICCIÓN - Dime que yo de Mateo Gil

GOYA DE HONOR - Antonio Mercero

QUINIELA PREMIOS GOYA 2009

2010-02-14T05:00:00.000-08:00

MEJOR PELÍCULA

Ganará: Celda 211
Podría dar la sorpresa: El secreto de sus ojos
Merece ganar: Celda 211

MEJOR DIRECTOR

Ganará: Daniel Monzón por Celda 211
Podría dar la sorpresa: Juan José Campanella por El secreto de sus ojos
Merece ganar: Daniel Monzón por Celda 211

MEJOR ACTOR PROTAGONISTA

Ganará: Luis Tosar por Celda 211
Podría dar la sopresa: Ricardo Darín por El secreto de sus ojos
Merece ganar: Ricardo Darín por El secreto de sus ojos

MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA

Ganará: Lola Dueñas por Yo, también
Podría dar la sorpresa: Penélope Cruz por Los abrazos rotos
Merece ganar: Lola Dueñas por Yo, también

MEJOR ACTOR DE REPARTO

Ganará: Ricardo Darín por El baile de la victoria
Podría dar la sorpresa: Carlos Bardem por Celda 211
Merece ganar: Raúl Arévalo por Gordos

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO

Ganará: Marta Etura por Celda 211
Podría dar la sorpresa: Pilar Castro por Gordos
Merece ganar: Verónica Sánchez por Gordos

MEJOR DIRECCIÓN NOVEL

Ganarán: Antonio Naharro, Álvaro Pastor por Yo, también
Podría dar la sorpresa: David Panell por La vergüenza
Merece ganar: Borja Cobeaga por Pagafantas

MEJOR ACTOR REVELACIÓN

Ganará: Pablo Pineda por Yo, también
Podría dar la sorpresa: Alberto Amman por Celda 211
Merece ganar: Alberto Amman por Celda 211

MEJOR ACTRIZ REVELACIÓN

Ganará: Soledad Villamil por El secreto de sus ojos
Podría dar la sorpresa: Blanca Romero por After
Merece ganar: Soledad Villamil por El secreto de sus ojos

MEJOR GUIÓN ORIGINAL

Ganará: Ágora
Podría dar la sorpresa: Gordos
Merece ganar: After

MEJOR GUIÓN ADAPTADO

Ganará: Celda 211
Podría dar la sorpresa: El secreto de sus ojos
Merece ganar: El secreto de sus ojos

MEJOR FOTOGRAFÍA

Ganará: Ágora
Podría dar la sorpresa: El secreto de sus ojos
Merece ganar: El secreto de sus ojos

MEJOR DIRECCIÓN DE PRODUCCIÓN

Ganará: Celda 211
Podría dar la sorpresa: Ágora
Merece ganar: El baile de la victoria

MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA

Ganará: Ágora
Podría dar la sorpresa: El secreto de sus ojos
Merece ganar: Ágora

MEJOR VESTUARIO

Ganará: Ágora
Podría dar la sorpresa: Los abrazos rotos
Merece ganar: Los abrazos rotos

MEJOR MAQUILLAJE Y/O PELUQUERÍA

Ganará: Ágora
Podría dar la sorpresa: El cónsul de Sodoma
Merece ganar: Ágora

MEJOR CANCIÓN ORIGINAL

Ganará: Yo, también
Podría dar la sorpresa: Agallas
Merece ganar: Yo, también

MEJOR MÚSICA ORIGINAL

Ganará: Ágora
Podría dar la sorpresa: Celda 211
Merece ganar: Los abrazos rotos

MEJOR MONTAJE

Ganará: Celda 211
Podría dar la sorpresa: Ágora
Merece ganar: Celda 211

MEJOR SONIDO

Ganará: Celda 211
Podría dar la sorpresa: Mapa de los sonidos de Tokio
Merece ganar: Celda 211

MEJORES EFECTOS ESPECIALES

Ganará: Ágora
Podría dar la sorpresa: REC 2
Merece ganar: Ágora

MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN

Ganará: Planet 51
Podría dar la sorpresa: Cher Ami
Merece ganar: Planet 51

MEJOR PELÍCULA DOCUMENTAL

Ganará: Cómicos
Podría dar la sorpresa: Garbo, el hombre que salvó el mundo
Merece ganar: Garbo, el hombre que salvó el mundo

MEJOR PELÍCULA EUROPEA

Ganará: La clase (Francia)
Podría dar la sorpresa: Slumdog Millonaire (Reino Unido)
Merece ganar: Déjame entrar (Suecia)

MEJOR PELÍCULA DE HABLA HISPANA

Ganará: El secreto de sus ojos (Argentina)
Podría dar la sorpresa: La teta asustada (Perú)
Merece ganar: El secreto de sus ojos (Argentina)

PREMIOS LUCES DE LA CIUDAD 2009: Triunfo de El Secreto de sus ojos

2010-02-13T07:57:00.000-08:00

MEJOR PELÍCULA: El secreto de sus ojos de Juan José Campanella

MEJOR DIRECCIÓN: Daniel Monzón por Celda 211

MEJOR DIRECCIÓN NOVEL: Borja Cobeaga por Pagafantas

MEJOR ACTOR PROTAGONISTA: Ricardo Darín por El secreto de sus ojos

MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA: Soledad Villamil por El secreto de sus ojos

MEJOR ACTOR DE REPARTO: José Luis Gómez por Los abrazos rotos

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO: Kiti Manver por Pagafantas

MEJOR ACTOR REVELACIÓN: Alberto Amman por Celda 211

MEJOR ACTRIZ REVELACIÓN: Leticia Herrero por Gordos

MEJOR GUIÓN ORIGINAL: Alberto Rodríguez Librero, Rafael Cobos por After

MEJOR GUIÓN ADAPTADO: Eduardo Sacheri, Juan José Campanella por El secreto de sus ojos

MEJOR FOTOGRAFÍA: Rodrigo Prieto por Los abrazos rotos

MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Guy Hendrix Dyas por Ágora

MEJOR VESTUARIO: Sonia Grande por Los abrazos rotos

MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA: Jan Sewell, Suzanne Stokes-Munton por Ágora

MEJOR DIRECCIÓN DE PRODUCCIÓN: Bernat Elías por Mapa de los sonidos de Tokio

MEJOR CANCIÓN ORIGINAL: "Yo también" de La Casa Azul para Yo, también

MEJOR MÚSICA ORIGINAL: Alberto Iglesias por Los abrazos rotos

MEJOR MONTAJE: Mapa Pastor por Celda 211

MEJOR SONIDO: Sergio Burmann, Jaime Fernández, Carlos Faruolo por Celda 211

MEJORES EFECTOS ESPECIALES: Chris Reynolds, Félix Bergés por Ágora

CRÍTICA. La herencia Valdemar (O)

2010-01-24T07:12:00.000-08:00

La herencia Valdemar supone el inicio de un díptico basado en el universo literario de Lovencraft, universo de difícil traslación a la gran pantalla, como ya demostraron fracasos previos (véase Stuart Gordon y su fallida adaptación de Dagon, la secta del mar).

Aún reconociendo el loable esfuerzo, la cinta fracasa en su totalidad debido a numerosos motivo: por un lado, el guión, en todo momento, es mediocre cuando no risible. Por otro, una dirección plana, un montaje caótico y unas interpretaciones carentes de garra, sorprendentes al contar en su reparto con ya reconocidos como los de Laia Marull, Silvia Abascal u Oscar Jaenada.

El mayor problema de este fracaso es que la cinta lastra definitivamente el posible interés de su próxima secuela, ya rodada y pendiente de estreno. Difícilmente algún espectador se sentirá atraído por una segunda parte ante el pésimo espectáculo cinematográfico de su precedente.

Resulta triste además que dicha cinta suponga la despedida cinematográfica de Paul Naschy, icono del fantástico nacional, cuya carrera durante los últimos años se ha reducido a una mera presencia en cintas de ínfima calidad (por ejemplo, School Killer).

Si algo puede salvarse de este desaguisado es la notable partitura que acompaña sus deslavazadas imágenes, junto con una más que correcta labor de ambientación. Escasos méritos para una cinta de género que se acerca más a mediocridades como El arte de morir que a recientes (y excelentes) muestras del terror patrio como REC o El orfanato.

EN RESUMEN

Lo mejor: su partitura musical

Lo peor: todo lo demás

CRÉDITOS

Director: José Luis Alemán

Productor: Miguel Ángel González / Iñigo Marco

Guión: José Luis Alemán

Fotografía: David Azcano

Montaje: Frank Gutiérrez

Música: Arnau Bataller

Reparto

Laia Marull ... Leonor Valdemar

Daniele Liotti ... Lázaro Valdemar

Silvia Abascal ... Luisa Lorente

Óscar Jaenada ... Nicolás Tremel

Paul Naschy .. Jervás

Francisco Maestre ... Alisteir Crowley

CALIFICACIÓN: O

NOMINACIONES A LA XXIV EDICIÓN DE LOS PREMIOS GOYA

2010-01-09T07:33:00.000-08:00

MEJOR PELÍCULA

Ágora

Celda 211

El baile de la Victoria

El secreto de sus ojos

Comentario:
Merecidas: Celda 211; El secreto de sus ojos
Lógicas: Ágora
Sorprendentes / Absurdas: El baile de la victoria
Olvidadas: Los abrazos rotos

MEJOR DIRECCIÓN
Alejandro Amenábar por Ágora
Juan José Campanella por El secreto de sus ojos
Daniel Monzón por Celda 211
Fernando Trueba por El baile de la Victoria

Comentario:
Merecidas: Celda 211; El secreto de sus ojos
Lógicas: Ágora
Sorprendentes / Absurdas: El baile de la victoria
Olvidadas: Los abrazos rotos

MEJOR DIRECCIÓN NOVEL
David Panell por La vergüenza
Borja Cobeaga por Pagafantas
Mar Coll por Tres días con la familia
Antonio Naharro, Álvaro Pastor por Yo, también

Comentario:
Merecidas: Pagafantas; Yo, también
Lógicas: La vergüenza; Tres días con la familia
Sorprendentes / Absurdas: ninguna
Olvidadas: Hierro

MEJOR INTERPRETACIÓN MASCULINA PROTAGONISTA
Ricardo Darín por El secreto de sus ojos
Antonio de la Torre por Gordos
Jordi Mollá por El cónsul de Sodoma
Luis Tosar por Celda 211

Comentario:
Merecidas: Ricardo Darín; Luis Tosar
Lógicas: Jordi Mollá
Sorprendentes / Absurdas: Antonio de la Torre
Olvidados: Lluis Homar por Los abrazos rotos

MEJOR INTERPRETACIÓN FEMENINA PROTAGONISTA
Penélope Cruz por Los abrazos rotos
Lola Dueñas por Yo, también
Maribel Verdú por Tetro
Rachel Weisz por Ágora

Comentario:
Merecidas: Penélope Cruz; Lola Dueñas
Lógicas: Maribel Verdú; Rachel Weisz
Sorprendentes / Absurdas: ninguna
Olvidadas: Elena Anaya por Hierro

MEJOR INTERPRETACIÓN MASCULINA DE REPARTO
Raúl Arévalo por Gordos
Carlos Bardem por Celda 211
Ricardo Darín por El baile de la Victoria
Antonio Resines por Celda 211

Comentario:
Merecidas: Antonio Resines
Lógicas: Raúl Arévalo; Ricardo Darín
Sorprendentes / Absurdas: Carlos Bardem
Olvidados: varios: Óscar Ladoire; Manuel Morón o José Luis Gómez

MEJOR INTERPRETACIÓN FEMENINA DE REPARTO
Pilar Castro por Gordos
Marta Etura por Celda 211
Vicky Peña por El cónsul de Sodoma
Verónica Sánchez por Gordos

Comentario:
Merecidas: Verónica Sánchez
Lógicas: Pilar Castro; Marta Etura
Sorprendentes / Absurdas: Vicky Peña
Olvidadas: Vicenta Ngondo por V.O.S

MEJOR ACTOR REVELACIÓN
Alberto Ammann por Celda 211
Fernando Albizu por Gordos
Gorka Otxoa por Pagafantas
Pablo Pineda por Yo, también

Comentario:
Merecidas: Alberto Ammann; Gorka Otxoa
Lógicas: Pablo Pineda; Fernando Albizu
Sorprendentes / Absurdas: ninguna
Olvidados: Guillermo Francella por El secreto de sus ojos

MEJOR ACTRIZ REVELACIÓN
Nausicaa Bonnin por Tres días con la familia
Leticia Herrero por Gordos
Blanca Romero por After
Soledad Villamil por El secreto de sus ojos

Comentario:
Merecidas: Blanca Romero; Soledad Villamil
Lógicas: Leticia Herrero
Sorprendentes / Absurdas: Nausicaa Bonnin
Olvidadas: Toni Acosta por 7 minutos

MEJOR GUIÓN ORIGINAL
Alberto Rodríguez Librero, Rafael Cobos por After
Mateo Gil, Alejandro Amenábar por Ágora
Daniel Sánchez Arévalo por Gordos
Pedro Almodóvar por Los abrazos rotos

Comentario:
Merecidas: After; Los abarzos rotos
Lógicas: Ágora; Gordos
Sorprendentes / Absurdas: ninguna
Olvidadas: Pagafantas

MEJOR GUIÓN ADAPTADO
Daniel Monzón, Jorge Gerricaechevarría por Celda 211
Fernando Trueba, Antonio Skarmeta, Jonás Trueba por El baile de la Victoria
Joaquín Górriz, Miguel Dalmau, Sigfrid Monleón, Miguel Á. Fernández por El cónsul de Sodoma
Eduardo Sacheri, Juan José Campanella por El secreto de sus ojos

Comentario:
Merecidas: Celda 211; El secreto de sus ojos
Lógicas: El baile de la victoria
Sorprendentes / Absurdas: El cónsul de Sodoma
Olvidadas: Castillos de cartón

MEJOR FOTOGRAFÍA
Álex Catalán por After
Xavi Giménez por Ágora
Carles Gusi por Celda 211
Félix Monti por El secreto de sus ojos

Comentario:
Merecidas: Ágora; El secreto de sus ojos
Lógicas: Celda 211
Sorprendentes / Absurdas: After
Olvidadas: Los abrazos rotos

MEJOR MONTAJE
Carmen Frías por El baile de la Victoria
Mapa Pastor por Celda 211
Nacho Ruiz Capillas por Ágora
Nacho Ruiz Capillas, David Pinillos por Gordos

Comentario:
Merecidas: Celda 211; Gordos
Lógicas: Ágora
Sorprendentes / Absurdas: El baile de la victoria
Olvidadas: El secreto de sus ojos

MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA
Guy Hendrix Dyas por Ágora
Antón Laguna por Celda 211
Verónica Astudillo por El baile de la Victoria
Marcelo Pont por El secreto de sus ojos

Comentario:
Merecidas: Celda 211; El secreto de sus ojos
Lógicas: Ágora; El baile de la victoria
Sorprendentes / Absurdas: ninguna
Olvidadas: El cónsul de Sodoma (primero nominada y luego excluida)

MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO
Gabriella Pescucci por Ágora
Lala Huete por El baile de la Victoria
Cristina Rodríguez por El cónsul de Sodoma
Sonia Grande por Los abrazos rotos

Comentario:
Merecidas: Ágora; El cónsul de Sodoma
Lógicas: El baile de la victoria; Los abrazos rotos
Sorprendentes / Absurdas: ninguna
Olvidadas: La mujer del anarquista

MEJOR MAQUILLAJE Y/O PELUQUERÍA
Jan Sewell, Suzanne Stokes-Munton por Ágora
Raquel Fidalgo, Inés Rodríguez por Celda 211
José Antonio Sánchez, Paquita Núñez por El cónsul de Sodoma
Ana Lozano, Massimo Gattabrusi por Los abrazos rotos

Comentario:
Merecidas: Ágora; Los abrazos rotos
Lógicas: El cónsul de Sodoma
Sorprendentes / Absurdas: Celda 211
Olvidadas: REC 2

MEJOR DIRECCIÓN DE PRODUCCIÓN
Eduardo Castro por El baile de la Victoria
José Luis Escolar por Ágora
Alicia Tellería por Celda 211
Cristina Zumárraga por Che. Guerrilla

Comentario:
Merecidas: Ágora; El baile de la victoria
Lógicas: Celda 211
Sorprendentes / Absurdas: Che, guerrilla (al tratarse de la misma premiada el año anterior)
Olvidadas: Mapa de los sonidos de Tokio

MEJOR MÚSICA ORIGINAL
Darío Marianelli por Ágora
Roque Baños López por Celda 211
Alberto Iglesias por Los abrazos rotos
Federico Jusid por El secreto de sus ojos

Comentario:
Merecidas: Ágora; Los abrazos rotos
Lógicas: El secreto de sus ojos
Sorprendentes / Absurdas: Celda 211
Olvidadas: Gordos

MEJOR CANCIÓN ORIGINAL
"Agallas vs. Escamas" por Agallas
"Stick to the Man" por Planet 51
"Spanish Song" por Spanish movie
"Yo también" por Yo, también

Comentario:
Merecidas: Yo, también
Lógicas: Agallas; Planet 51
Sorprendentes / Absurdas: Spanish Movie
Olvidadas: "La Verdad" de Mentiras y Gordas

MEJOR SONIDO
Peter Glossop, Glenn Freemantle por Ágora
Sergio Burmann, Jaime Fernández, Carlos Faruolo por Celda 211
Pierre Gamet, Nacho Royo-Villanova, Pelayo Gutiérrez por El baile de la Victoria
Aitor Berenguer, Marc Orts, Fabiola Ordoyo por Mapa de los sonidos de Tokio

Comentario:
Merecidas: Celda 211; Mapa de los sonidos de Tokio
Lógicas: Ágora
Sorprendentes / Absurdas: El baile de la victoria
Olvidadas: Planet 51; REC 2

MEJORES EFECTOS ESPECIALES
Chris Reynolds, Félix Bergés por Ágora
Raúl Romanillos, Guillermo Orbé por Celda 211
Salvador Santana, Álex Villagrasa por [REC] 2
Pau Costa, Lluís Castells por Spanish movie

Comentario:
Merecidas: Ágora; REC 2
Lógicas: Celda 211
Sorprendentes / Absurdas: Spanish Movie
Olvidadas: Paintball

MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN
Animal Channel
Cher ami
Pérez, el ratoncito de tus sueños 2
Planet 51

MEJOR PELÍCULA DOCUMENTAL
Cómicos
Garbo, el hombre que salvó el mundo
La mirada de Ouka Leele
Últimos testigos: Fraga Iribarne-Carrillo, comunista

MEJOR PELÍCULA HISPANOAMERICANA
Dawson Isla 10 de Miguel Littin (Chile)
Gigante de Adrián Biniez (Uruguay)
El secreto de sus ojos de Juan José Campanella (Argentina)
La teta asustada de Claudia Llosa Bueno (Perú)

MEJOR PELÍCULA EUROPEA
Bienvenidos al norte de Dany Boon (Francia)
Déjame entrar de Tomas Alfredson (Suecia)
La clase de Laurent Cantet (Francia)
Slumdog Millonaire de Danny Boyle (Reino Unido)

MEJOR CORTOMETRAJE DE FICCIÓN
Dime que yo de Mateo Gil
Lala de Esteban Crespo García
La Tama de Martín Costa
Terapia de Nuria Verde

MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL
Doppelgänger de Óscar de Julián
En un lugar del cine de Eduardo Cardoso
Flores de Ruanda de David Muñoz López
Luchadoras de Benet Román

MEJOR CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓN
Alma de Rodrigo Blaas
La Dama y la Muerte de Javier Recio Gracia
Margarita de Álex Cervantes
Tachaaan de Carlos del Olmo, Miguel Ángel Bellot, Rafael Cano

NOMINACIONES POR PELÍCULA

1.- CELDA 211 - 16 nominaciones

2.- ÁGORA - 13 nominaciones

3.- EL BAILE DE LA VICTORIA - 9 nominaciones

4.- EL SECRETO DE SUS OJOS - 9 nominaciones

5.- GORDOS - 8 nominaciones

6.- EL CÓNSUL DE SODOMA - 5 nominaciones

7.- LOS ABRAZOS ROTOS - 5 nominaciones

8.- YO, TAMBIÉN - 4 nominaciones

9.- AFTER - 3 nominaciones

10.- PAGANFANTAS - 2 nominaciones

11.- PLANET 51 - 2 nominaciones

12.- SPANISH MOVIE - 2 nominaciones

13.- TRES DÍAS CON LA FAMILIA - 2 nominaciones

14.- AGALLAS - 1 nominación

15.- ANIMAL CHANNEL - 1 nominación

16.- BIENVENIDOS AL NORTE - 1 nominación

17.- CHE, GUERRILLA - 1 nominación

18.- CHER AMI - 1 nominación

19.- CÓMICOS - 1 nominación

20.- DAWSON ISLA 10 - 1 nominación

21.- DÉJAME ENTRAR - 1 nominación

22.- GARBO, EL HOMBRE QUE SALVÓ AL MINDO - 1 nominación

23.- GIGANTE - 1 nominación

24.- LA CLASE - 1 nominación

25.- LA MIRADA DE OUKA LEELE - 1 nominación

26.- LA TETA ASUSTADA - 1 nominación

27.- LA VERGÜENZA - 1 nominación

28.- MAPA DE LOS SONIDOS DE TOKIO - 1 nominación

29.- PÉREZ. EL RATONCITO DE TUS SUEÑOS 2 - 1 nominación

30.- REC 2 - 1 nominación

31.- SLUMDOG MILLONAIRE - 1 nominación

32.- TETRO - 1 nominación

33.- ÚLTIMOS TESTIGOS - 1 nominación

NOMIMINACIONES A LOS PREMIOS LUCES DE LA CIUDAD 2009

2010-01-08T11:04:00.000-08:00

MEJOR PLÍCULA
After
Celda 211
El secreto de sus ojos
Los abrazos rotos
Pagafantas

MEJOR DIRECTOR
Alberto Rodríguez por After
Daniel Monzón por Celda 211
Juan José Campanella por El secreto de sus ojos
Daniel Sánchez Arévalo por Gordos
Pedro Almodóvar por Los abrazos rotos

MEJOR ACTOR PROTAGONISTA
Ricardo Darín por El secreto de sus ojos
Lluís Homar por Los abrazos rotos
Guillermo Toledo por After
Luis Tosar por Celda 211
Tristán Ulloa por After

MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA
Penélope Cruz por Los abrazos rotos
Lola Dueñas por Yo, también
Olivia Molina por Dieta Mediterránea
Soledad Villamil por El secreto de sus ojos
Maribel Verdú por Tetro

MEJOR ACTOR DE REPARTO
Guillermo Francella por El secreto de sus ojos
José Luis Gómez por Los abrazos rotos
Óscar Ladoire por Pagafantas
Manuel Morón por Celda 211
Antonio Resines por Celda 211

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO
Pilar Castro por Gordos
Kiti Manver por Pagafantas
Blanca Portillo por Los abrazos rotos
Vicenta Ngondo por V.O.S
Verónica Sánchez por Gordos

MEJOR DIRECTOR NOVEL
Jorge Blanco por Planet 51
Borja Cobeaga por Pagafantas
Mar Coll por Tres días con la familia
Álvaro Pastor & Antonio Naharro por Yo, también
David Planell por La vergüenza

MEJOR ACTOR REVELACIÓN
Alberto Ammann por Celda 211
Alfonso Bassave por Dieta Mediterránea
Mario Casas por Mentiras y Gordas
Gorka Otxoa por Pagafantas
Pablo Pineda por Yo, también

MEJOR ACTRIZ REVELACIÓN
Toni Acosta por 7 minutos
Naussica Bonnin por Tres días con la familia
Leticia Herrero por Gordos
Ana María Polvorosa por Mentiras y Gordas
Blanca Romero por After

MEJOR GUIÓN ORIGINAL
After
Gordos
La vergüenza
Los abrazos rotos
Pagafantas

MEJOR GUIÓN ADAPTADO
Castillos de cartón
Celda 211
El baile de la victoria
El secreto de sus ojos
V.O.S

MEJOR MÚSICA ORIGINAL
James Seymour Brett por Planet 51
Pascal Gaigne por Gordos
Alberto Iglesias por Los abrazos rotos
Federico Jusid por El secreto de sus ojos
Dario Marianelli por Ágora

MEJOR FOTOGRAFÍA
Xavi Giménez por Ágora
Jean Claude Larrieu por Mapa de sonidos de Tokio
Julián Ledesma por El baile de la victoria
Rodrigo Prieto por Los abrazos rotos
Mihai Malaimare Jr. por Tetro

MEJOR SONIDO
Ágora
Celda 211
Mapa de los sonidos de Tokio
Planet 51
REC 2

MEJOR CANCIÓN ORIGINAL
"Agallas vs Escamas" de Agallas
"La verdad" de Mentiras y gordas
"Sueños mágicos" de Pérez, el ratoncito de tus sueños
"Trash" de Trash
"Yo, también" de Yo, también

MEJOR MONTAJE
After
Celda 211
El secreto de sus ojos
Gordos
Los abrazos rotos

MEJOR DIRECCIÓN DE PRODUCCIÓN
Ágora
El baile de la victoria
Los abrazos rotos
Mapa de los sonidos de Tokio
Planet 51

MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA
Ágora
Castillos de cartón
Celda 211
El secreto de sus ojos
Los abrazos rotos

MEJOR VESTUARIO
Ágora
El baile de la victoria
El secreto de sus ojos
La mujer del anarquista
Los abrazos rotos

MEJOR MAQUILLAJE Y/O PELUQUERIA
Ágora
El baile de la victoria
El secreto de sus ojos
Los abrazos rotos
REC 2

MEJORES EFECTOS ESPECIALES
Ágora
Celda 211
No-Do
Paintball
REC 2

QUINIELA NOMINACIONES GOYA 2009

2010-01-03T11:50:00.000-08:00

El próximo sábado 9 de enero se darán a conocer las nominaciones a la XXIV edición de los Premios de la Academia de las Artes Cinematográficas de España, más conocidos como los premios Goya. A continuación una quiniela de los posibles candidatos en las distintas categorías (que seguramente tenga poco que ver con las nominaciones debido a los sorprendentes gustos que suelen tener los académicos):

Mejor película:
Agora
Celda 211
El baile de la victoria
El secreto de sus ojos

Alternativa: Los abrazos rotos

Mejor director:
Alejandro Amenábar por Ágora
Daniel Monzón por Celda 211
Fernando Trueba por El baile de la victoria
Juan José campanella por El secreto de sus ojos

Alternativa: Pedro Almodóvar por Los abrazos rotos

Mejor actor protagonista:
Ricardo Darín por El secreto de sus ojos
Lluís Homar por Los abrazos rotos
Antonio de la Torre por Gordos
Luis Tosar por Celda 211

Alternativa: Jordi Mollá por El cónsul de Sodoma

Mejor actriz protagonista:
Penélope Cruz por Los abrazos rotos
Lola Dueñas por Yo, también
Maribel Verdú por Tetro
Rachel Weisz por Ágora

Alternativa: Elena Anaya por Hierro

Mejor actor de reparto:
Raúl Arévalo por Gordos
José Luis Gómez por Los abrazos rotos
Óscar Ladoire por Pagafantas
Manuel Morón por Celda 211

Alternativa: Celso Bugallo por La isla interior

Mejor actriz de reparto:
Kiti Manver por Pagafantas
Blanca Portillo por Los abrazos rotos
Vicenta Ngondo por V.O.S
Verónica Sánchez por Gordos

Alternativa: Assumpta Serra por Trash

Mejor Director Novel
Borja Cobeaga por Pagafantas
Mar Coll por Tres días con la familia
Álvaro Pastor & Antonio Naharro por Yo, también
David Planell por La vergüenza

Alternativa: Gabe Ibáñez por Hierro

Mejor actor revelación:
Alberto Ammann por Celda 211
Guillermo Francella por El secreto de sus ojos
Gorka Otxoa por Pagafantas
Pablo Pineda por Yo, también

Alternativa: Fernando Albizu por Gordos

Mejor actriz revelación:
Toni Acosta por 7 minutos
Leticia Herrero por Gordos
Blanca Romero por After
Soledad Villamil por El secreto de sus ojos

Alternativa: Carmen Machi por La mujer sin piano

Mejor guión original:
After
Ágora
Gordos
Los abrazos rotos

Alternativa: Yo, también

Mejor guión adaptado:
Castillos de cartón
Celda 211
El baile de la victoria
El secreto de sus ojos

Alternativa: V.O.S

Mejor música original:
Pascal Gaigne por Gordos
Alberto Iglesias por Los abrazos rotos
Dario Marianelli por Ágora
Roque Baños por Celda 211

Alternativa: Federico Jusid por El secreto de sus ojos

Mejor fotografía:
Xavi Giménez por Ágora
Jean Claude Larrieu por Mapa de sonidos de Tokio
Julián Ledesma por El baile de la victoria
Rodrigo Prieto por Los abrazos rotos

Altertativa: Mihai Malaimare Jr. por Tetro

Mejor sonido:
Ágora
Celda 211
Mapa de los sonidos de Tokio
Planeta 51

Alternativa: REC 2

Mejor canción original:
"La verdad" de Mentiras y gordas
"Sueños mágicos" de Pérez, el ratoncito de tus sueños
"Stick it to the Man" de Planet 51
"Yo, también" de Yo, también

Alternativa: "Agallas vs Escamas" de Agallas

Mejor montaje:
Ágora
Celda 211
El secreto de sus ojos
Los abrazos rotos

Alternativa: REC 2

Mejor dirección de producción:
Ágora
El baile de la victoria
El secreto de sus ojos
Mapa de los sonidos de Tokio

Alternativa: Los abrazos rotos

Mejor dirección artística:
Ágora
Los abrazos rotos
El baile de la victoria
El cónsul de Gomorra

Alternativa: La mujer del anarquista

Mejor vestuario:
Ágora
El baile de la victoria
La mujer del anarquista
Los abrazos rotos

Alternativa: El cónsul de Gomorra

Mejor maquillaje y peluquería:
Ágora
El baile de la victoria
El cónsul de Gomorra
Los abrazos rotos

Alternativa: Gordos

Mejores efectos especiales:
Ágora
Celda 211
Hierro
REC 2

Alternativa: Paintball

Mejor película europea:
Déjame entrar (Suecia)
Il Divo (Italia)
La clase (Francia)
Slumdog Millionaire (Reino Unido)

Alternativa: R.A.F, facción del ejército rojo (Alemania)

Mejor película extranjera de habla hispana:
Dawson isla 10 (Chile)
Desierto adentro (México)
El secreto de sus ojos (Argentina)
La teta asustada (Perú)

Alternativa: Gigante (Uruguay)

Mejor película de animación:
Cher Ami
La carta de Rajà
Pérez, el ratoncito de tus sueños
Planet 51

Alternativa: La vuelta al mundo. Gratis!

Mejor película documental:
El camino de los sueños
La sombra del Iceberg
Los ojos de Ariana
Màscares

Alternativa: El agua de la vida

CRÍTICA: Spanish Movie (*)

2009-12-06T09:53:00.000-08:00

La parodia cinematográfica es un subgénero que siempre se ha cultivado, en especial en la cinmetografía americana. De los originarios Abbott y Costello hasta el trío ZAZ, pasando por Mel Brooks.

Si existen dos cintas que definen a la perfección el subgénero son El Jovencito Frankenstein y Aterriza comno puedas. La primera parodiaba al cine de terror de la década de los 30 de la Universal, centrándose en una sólo película/personaje. Por contra la segunda tenía múltiples referencias cinematográficas, desde el cine de catástrofes tan en boga en los 70 como las cintas bélicas, el musical, etc.

Si la primera tuvo como claro exponente a su realizador Mel Brooks, la segunda generó numerosos tentáculos - a cuál peor - en numerosas sagas que van de la mediocre Hot Shots, la irregular Agárralo como puedas o la terrorífica (en el mal sentido) Scary Movie.

El cine español practicó de manera penosa la primera vertiente con cintas al servicio de humoristas de éxito (Martes y Trece; Chiquito de la Calzada...). Sin embargo, la segunda variante nunca había tenido muestra alguna. El motivo principal de la misma es parodiar películas de enorme éxito que el público pueda reconocer en pantalla sin necesidad de que se lo digan (algo en lo que no se ha prodigado el cine español a menudo -sic-).

Sin embargo, en los últimos años, el cine patrio ha acumulado numerosos éxitos cinematográficos que ha permitido la aparición de la cinta que nos ocupa: Spanish Movie.

La película, en el fondo, es un autohomenaje del propio cine nacional exponiendo sus principales méritos de taquilla de los últimos años: de esta manera por la pantalla aparecen referenciadas cintas tales como Los Otros, El laberinto del fauno, El orfanato, Volver, Alatriste o Abre los ojos.

Este autohomenaje se manifiesta si cabe aún más con cameos de algunos de los realizadores o intérpretes de las mismas (Alejandro Amenábar; Juan Antonio Bayona o Belén Rueda, entre otros).

En cuanto a la calidad del producto, se puede decir que es inferior a la notable Aterriza como puedas, pero superior a engendros como los dirigidos por la troupe de los hermanos Wayans o todas las últimas de Leslie Nielsen (quien, por cierto, realiza un cameo en la cinta española).

En Resumen

Lo Mejor: su falta de pretensiones.
Lo Peor: la posibilidad de múltiples secuelas.

CRÉDITOS

Director: Javier Ruiz Caldera

Productor: Álvaro Augustín
Guión: Paco Cabezas / Eneko Lizarraga
Fotografía: Óscar Faura

Montaje: Alberto de Toro

Música: Fernando Velázquez
Reparto:

Silvia Abril ... Laura
Alexandra Jiménez ... Ramira

Carlos Areces ... Pedro

Laia Alda ... Ofendia
Joaquín Reyes ... Fauno
Eduardo Gómez ... Diego

CALIFICACIÓN: *

CRÍTICA: Planet 51 (***)

2009-11-29T09:12:00.000-08:00

Planet 51, superproducción en el campo de la animación por ordenador, debería suponer un punto de inflexión en la producción nacional de este género cinematográfico.

Tras una incipiente e irregular cinematografía en los 80 y 90, el género empezó a ser tenido en cuenta con producciones más bienintencionadas que logradas como El bosque animado, El Cid o Pérez, el ratoncito de tus sueños. Todas ellas fueron éxitos comerciales que demostraron que el público es capaz de ver una producción de animación española si tiene una correcta factura y una buena campaña de promoción.

Planet 51 supone no sólo un salto cuantitativo (un presupuesto elevado, distribución en EEUU)sino cualitativo (mejor factura técnica). Su arranque no puede ser más brillante y la película incluye múltiples referencias: desde la paranoica ciencia ficción de los años 50 (referenciada en la dirección artística de manera continuada) hasta apuntes cinéfilos varios (Mars Attacks; Alien; E.T, entre muchas otras).

Su factura técnica es irreprochable, teniendo en cuenta que, pese a su alto presupesto, éste dista mucho de las cintas con las que quiere competir. Su puesta en escena siempre es solvente y, en ocasiones, brillante. Sin embargo, la cinta falla dónde otras no: su guión. La historia acaba convirtiéndose en un ejercicio cinéfilo, incluso nostálgico, de un tipo de cine ya visto. La cinta combina un humor errático con ciertas dosis de acción y sentimiento. Su personajes están correctamente construidos, pero nunca resultan fascinantes.

Y es que el mayor defecto de Planet 51 es su punto de referencia, su elección del modelo Dreamworks frente a Pixar Al igual que la productora de animación de Katzenberg, la cinta cuenta con una buena idea con desarrollo (más o menos) irregular, múltiples referencias cinematográficas, voces famosas y una factura técnica eficaz, pero no brillante.

Sin embargo, pese a sus debilidades, Planet 51 acaba convirtiéndose en una de las películas españolas del año debido a su condición de excepción, su voluntad de riesgo y su deseo de abrir nuevos horizontes en la cinematografía de nuestro país.

En Resumen

Lo Mejor: su factura técnica.
Lo Peor: un guión irregular.

CRÉDITOS

Director: Jorge Blanco

Productor: Guy Collins / Ignacio Pérez Dolset
Guión: Joe Stillman
Diseño de Producción: Julián Muñoz Romero
Montaje: Álex Rodríguez

Música: James Seymour Brett
Reparto:

Dwayne Johnson ... Capitán Charles Baker (voz)

Juston Long ... Lem (voz)
Jessica Biel ... Neera (voz)

Gary Oldman ... General Grawl (voz)
Sean William Scott ... Skiff (voz)
John Cleese ... Profesor Kipple (voz)

CALIFICACIÓN: ***

CRÍTICA: Celda 211 (****)

2009-11-10T08:20:00.000-08:00

El cine carcelario ha tenido excelsas muestras, en especial, en el cine americano. Basta con recordar ejemplos tan distantes, en su narración como en el tiempo, como La fuga de Alcatraz o Cadena perpetua.

Sin embargo, el cine hispano ha abordado el subgénero en escasas ocasiones con pobres resultados y escasa credibilidad. Resulta cuanto menos curioso que la española Celda 211 coincida temporalmente con el estreno francés de Un prophéte de Jacques Audiard. Ambas abordan el subgénero desde la mirada del thriller. A partir de la trama de un motín carcelario, la cinta nos muestra un mundo en el que la línea que separa el Bien del Mal es ilusoria: donde una víctima puede pasar a ser un infiltrado y finalmente convertirse en un ángel vengador; donde un criminal sin escrúpulos puede acabar mostrando humanidad y empatía ante otro ser humano.

Celda 211, elogio del cine de género, no desdeña muestras de crítica social al sistema penitenciario, a la cobardía institucional y la utilización del tema terrorista como arma arrojadiza a la hora de negociar una solución al conflicto carcelario.

Monzón muestra un salto superlativo en su carrera cinematográfica de la seminal (y fallida) El corazón del guerrero (2000), pasando a la simpática El robo más grande jamás contado (2002) hasta la atractiva intriga fantástica La caja Kovak (2006). La puesta en escena de Celda 211 es realista y visceral. Su visión directa de la realidad cuenta con el apoyo de una factura técnica irreprochable.

Mención aparte merece su reparto, en estado de gracia: Luis Tosar se apodera de cada uno de los fotogramas de la película dejando una huella indeleble en nuestra retina. Sin embargo, su trabajo no resultaría tan grande si no contase con unos contrincantes tan formidables como el debutante Alberto Amman, un terrorífico Antonio Resines o un sibilino Manuel Morón.

En Resumen

Lo Mejor: su reivindicación del cine de género y Luis Tosar

Lo Peor: la (poco creíble) subtrama de Marta Etura.

CRÉDITOS

Director: Daniel Monzón

Productor: Álvaro Augustín / Juan Gordon

Guión: Jorge Guerricaechevarría / Daniel Monzón

Fotografía: Carles Gusi

Montaje: Cristina Pastor
Música: Roque Baños

Reparto:
Luis Tosar ... Malamadre

Alberto Amman ... Juan Oliver

Antonio Resines ... Utrilla
Manuel Morón ... Almansa

Marta Etura ... Elena

Luis Zahera ... Releches

CALIFICACIÓN: ****

CRÍTICA: After (*** 1/2)

2009-10-25T06:55:00.000-07:00

Si 7 vírgenes supuso el descubrimiento del andaluz Alberto Rodríguez como un director a tener en cuenta, After lo consolida como una de las voces más interesantes en el panorama cinematográfico nacional.

Después de acercarse al mundo marginal con familias desestructuradas, permisos carcelarios y jóvenes con futuro incierto, Rodríguez se acerca a un mundo totalmente diferente conformado por paternidades (ir)responsables, urbanizaciones de lujo y pijos con la vida asegurada.

Sin embargo, el resultado final es similar: un profundo sentimiento de vacío. Los tres protagonistas buscan en su salida nocturna una forma de huída temporal que aúna alcohol, drogas y sexo. Pero esa noche acaba mostrando la peor imagen de sus personajes: un retrato pesimista de una generación insatisfecha con su vida, incapaz de dar un giro en la misma y con unas pulsiones descontroladas y autodestructivas.

Para ello, el realizador muestra sus mejores armas: una puesta escena férrea, que aborda la acción desde los 3 puntos de vista de sus protagonistas - complementarios y divergentes, según las situaciones narradas -; un guión que no moraliza dando libertad al espectador y unas interpretaciones excepcionales de su trío protagonista: unos recuperados Guillermo Toledo y Tristán Ulloa y una excepcional Blanca Romero, revelación femenina del año.

En Resumen

Lo Mejor: su puesta en escena y reparto (mención especial a Blanca Romero)

Lo Peor: que el público prefiera apuestas cinematográficas más acomodaticias.

CRÉDITOS

Director: Alberto Rodríguez

Productor: José Antonio Félez
Guión: Rafael Cobos / Alberto Rodríguez
Fotografía: Álex Catalán

Montaje: J. Manuel Moyano
Música: Julio de la Rosa

Reparto:
Guillermo Toledo ... Julio

Tristán Ulloa ... Manuel

Blanca Romero ... Ana
Marta Solaz ... Irene

Jesús Carroza ... Jesús

Maxi Iglesias ... García

CALIFICACIÓN: *** 1/2

CRÍTICA: Ágora (** 1/2)

2009-10-11T11:44:00.000-07:00

Si existiese un listado de los nuevos realizadores surgidos en la década de los 90 en el cine español, nadie dudaría que la misma estaría encabezada por Alejandro Amenábar. Guste más o menos su cine, el realizador cuenta con un trayectoria de enorme éxito, no sólo crítico sino de público. Su cine no sólo ha sido reconocido a nivel nacional (es presencia permanente en la Gala de los Goyas), sino también internacional, gracias a su última cinta, la multipremiada Mar Adentro.

Su última propuesta cinematográfica trata de aunar cine de autor con cine comercial. Al igual que hiciera con Los Otros, vuelve a rodar en inglés y recupera un género antaño popular y hoy olvidado: el Peplum.

Presentada en Cannes con una tibia acogida, el principal problema de esta película es que se sustenta en un guión irregular: Su intento de abarcar muchos temas acaba perjudicándola en exceso: por un lado, la historia del choque de culturas y de religiones con fanatismo incluido, por otro la búsqueda de conocimiento del universo a través de las matemáticas.

Sin embargo Amenábar, con su coguionista habitual Mateo Gil, es incapaz de hilvanar con fluidez ambas tramas. La acción salta de una a otra constantemente, perdiendo interés y ritmo narrativo.

Si el guión no es muy logrado, Amenábar tampoco acierta en su puesta en escena. Su dirección resulta eficaz pero fría, carente de emoción. Las secuencias que muestran la violencia fanática carecen de garra: son correctas, pero no involucran al espectador en lo que está viendo. Su abuso de los palnos cenitales aéreos en ciertas ocasiones de la acción resultan contraproducentes: generan un distanciamiento en quienes están viendo la película.

Tampoco los personajes están bien perfilados. Amenábar centra su atención en Hypatia, olvidándose de todos aquellos que la rodean. Tanto Ammonius como Orestes, incluso el esclavo Davo son personajes con gran potencial, pero que aparecen y desaparecen de manera arbitraria y sin ningún criterio.

Su protagonista principal la excelente Rachel Weisz aporta profesionalidad pero su construcción del personaje acaba convirtiéndolo en una filósofa bienintencionada más que brillante, ajena en momentos cruciales a todo aquello que le rodea.

El resultado final es eficaz, correcto a nivel narrativo e interpretativo, irregular en su guión y notable su producción (excelentes ambientación, vestuario o banda sonora del oscarizado Dario Marianelli).

Probablemente esta cinta en manos de cualquier otro director hubiese resultado suficiente, pero Amenábar nos tiene acostumbrados a cosas mejores: de la hitchcockiana Tesis o la brillante Abre los Ojos a las excelente Los otros o Mar Adentro. Y ese es el problema: Ágora acaba resultando su cinta menos lograda y un (ligero) tropezón en su ascendente carrera cinematográfica.

En Resumen

Lo Mejor: su diseño de producción
Lo Peor: su frialdad expositiva

CRÉDITOS

Director: Alejandro Amenábar

Productor: Álvaro Augustín / Fernando Bovaira

Guión: Alejandro Amenábar / Mateo Gil

Fotografía: Xavi Giménez

Montaje: Nacho Ruiz Capillas

Música: Dario Marianelli
Reparto:

Rachel Weisz ... Hypatia
Max Minghella ... Davus
Oscar Isaac ... Orestes

Michael Londsdale ... Theon
Rupert Evans ... Synesius
Ashraf Barhom ... Ammonius

CALIFICACIÓN: ** 1/2

CRÍTICA: REC 2 (**)

2009-10-04T11:05:00.000-07:00

REC se convirtió hace un par de años en la película sorpresa del año: con presupuesto limitado, actores desconocidos y una campaña promocional ajustada logró triunfar en las carteleras. Su éxito le cosechó un par de premios Goya (al mejor montaje y actriz revelación) y la compra de los derechos de la cinta para la realización de un innecesario remake made in USA.

Sus autores, Jaume Balagueró y Paco Plaza, regresan ahora con una secuela. El motivo de la misma es evidente: convertir a REC en una franquicia de terror hispana tan rentable como otras anglosajonas (de Halloween a Saw).

REC resultó una excelente aportación al mundo de los zombies/infectados, tan en moda en la última década. Su aportación estaba a la altura de cintas renovadoras del género como 28 días después o Amanecer de los muertos, alejándose de pésimos ejemplos recientes patrios como Una de Zombies o Beyond Reanimator.

El mayor problema de REC 2 es la sensación de falta de innovación: la realización es notable, pero ya no resulta sorprendente. El uso de múltiples cámaras/puntos de vista demuestra un mayor nivel de producción, pero no aporta una mayor riqueza audiovisual.

El guión, poco trabajado, carece de la tensión del original. El mismo combinaba a la perfección terror con costumbrismo (esa comunidad de vecinos, habitual en muchas ciudades de nuestro país), junto con una crítica a una cierta forma de hacer televisión y a la avidez de los espectadores por sensaciones fuertes.

Sin embargo, su secuela resulta incosistente en este aspecto. Su giro dramático resulta poco creíble (pasar de 28 días después a El exorcista no acaba de funcionar); abusa de explicaciones frente a la ambigüedad del original y sus personajes están peor perfilados (el equipo de GEOS resulta monocorde; el miembro de Sanidad poco creíble y los adolescentes insufribles).

Es verdad que la película no aburre, se ve en un suspiro, pero no deja la huella del original por su falta de garra. Como pasaba en su antecedente la factura técnica es irreprochable con especial mención a su montaje, sonido y maquillaje.

En Resumen

Lo Mejor: es mejor que su terrible remake americano, Quarantine
Lo Peor: su final abierto augura un posible REC 3

CRÉDITOS

Director: Jaume Balagueró / Paco Plaza
Productor: Julio Fernández
Guión: Jaume Balagueró / Manu Díez / Paco Plaza

Fotografía: Jean Claude LarrieuMontaje: Irene Blecua
Reparto:
Ferrán Terraza ... Manu
Jonathan Mellor ... Dr. Owen

Pau Poch ... Tito

David Vert ... Álex
Manuela Velasco ... Ángela
Andrea Ros ... Mire

CALIFICACIÓN: **

CRÍTICA: El secreto de sus ojos (****)

2009-09-27T07:47:00.000-07:00

El argentino Juan José Campanella regresa a nuestras pantallas con El secreto de sus ojos. La cinta compitió recientemente en el Festival de San Sebastián. Partiendo de favorita, la película fue (incomprensiblemente) excluída del palmarés, algo por cierto habitual en los últimos años del certamen donostiarra.

Sin embargo, la cinta argentina ha demostrado en su estreno comercial cuán equivocado puede estar un jurado respaldándola en taquilla. La película aborda una intriga criminal desarrollada en 2 tiempos diferentes que se van alternando: el presente y la convulsa década de los 70, inicio de numerosas dictaduras en el cono sur.

Sin embargo, el contexto político no ensombrece una trama policíaca de influencia del thriller americano más clásico. A través de los ojos de un (excepcional) Ricardo Darín vamos avanzando en una trama con múltiples líneas argumentales que se alternan y cruzan, creando una historia apasionante y adictiva.

En el éxito de la propuesta tiene especial responsabilidad su autor, Juan José Campanella, triunfador de un cine sentimental previo con éxitos clamorosos (El hijo de la novia), que empezada a dar síntomas de cansancio (Luna de Avellaneda).

El realizador combina a la perfección un lograda trama criminal, una bellísima historia de amor y un reparto superlativo: a su actor-fetiche Ricardo Darín se unen desde una magnética Soledad Villamil hasta un magistral Guillermo Francella.

En Resumen
Lo Mejor: prácticamente todo

Lo Peor: una resolución, un poco, tramposa.

CRÉDITOS

Director: Juan José Campanella
Productor: Gerardo Herrero / Mariela Besuvieski

Guión: Juan José Campanella / Eduardo Sacheri

Fotografía: Félix Monti
Montaje: Juan José Campanella

Música: Federico Jusid / Emilio Kauderer
Reparto:

Ricardo Darín ... Benjamín Esposito
Soledad Villamil ... Irene Menéndez
Pablo Rago ... Ricardo Morales

Javier Godino ... Isidoro Gómez
Guillermo Francella ... Pablo Sandoval
José Luis Gioia ... Inspector Báez

CALIFICACIÓN: ****

CRÍTICA: Gordos (***)

2009-09-13T10:41:00.000-07:00

Después de su (exitoso) debut en el largometraje Azuloscurocasinegro, Daniel Sánchez Arévalo regresa a nuestras pantallas con Gordos, ambiciosa producción entorno a la obesidad, las causas diversas que la producen y la visión social que se tiene de ella.

Arévalo, al igual que su ópera prima, dispersa la narración a través de varios personajes y subtramas. Sin embargo, al contrario que en la anterior, su exceso de ambición le juega una mala pasada al resultar el conjunto un tanto irregular.

Su galería de personajes muestra un importante número de contradicciones a las que nos podemos ver sometidos en la vida actual que originan los problemas de sobrepeso, pero en esta abundancia radica su mayor debilidad: hay tramas con un notable resultado y otras mucho menos desarrolladas o logradas.

Pero eso no evita que Sánchez Arévalo muestre algunas de sus mejores armas como (incipiente) cineasta: una brillante puesta en escena, un excelente montaje o una inteligente utilización del sonido.

Uno de los aspectos más comentados de la cinta es la obligación de parte de su reparto de asumir un cambio físico notable, con un incremento de kilos considerable. Al igual que en películas previas (Naúfrago con Tom Hanks, por ejemplo), el bosque no deja en ocasiones ver las hojas y el esfuerzo dietético se confunde con interpretativo. Así, uno de sus protagonistas, el (habitualmente notable) Antonio de la Torre resuelve dicha papeleta de la peor manera posible: con una interpretación que se mueve entre la afectación y el histrionismo resultando siempre poco creíble. Por contra, otros en la misma situación, como Verónica Sánchez o Leticia Herrero bordan sus papeles con unas interpretaciones excelentes.

Sin embargo, pese a sus (evidentes) defectos, Arévalo consigue una obra compleja, arriesgada, deslumbrante en ocasiones y siempre interesante. Algo que no es habitual en nuestro cine y, por ello, siempre merece ser destacado.

En Resumen

Lo Mejor: su ambición argumental y puesta en escena.

Lo Peor: un Antonio de la Torre poco atinado.

CRÉDITOS

Director: Daniel Sánchez Arévalo
Productor: José Antonio Félez / Antón Reixa

Guión: Daniel Sánchez Arévalo

Fotografía: Juan Carlos Gómez

Montaje: David Pinillos / Nacho Ruiz Capillas

Música: Pascal Gaigne

Reparto:
Antonio de la Torre ... Enrique

Roberto Enríquez ... Abel
Verónica Sánchez ... Paula
Raúl Arévalo ... Álex

Leticia Herrero ... Sofía

Fernando Albizu ... Andrés

CALIFICACIÓN: ***

CRÍTICA: Mapa de los sonidos de Tokio (*)

2009-08-30T10:30:00.000-07:00

Presentada a concurso en el último Festival de Cannes, Mapa de los sonidos de Tokio supone un traspié en la carrera descendente de Isabel Coixet.

Descubrimos a Coixet hace ya bastantes años con la estupenda Cosas que nunca te dije (1996), meritorio ejercicio cinematográfico que fagocitaba las mejores tendencias del emergente cine indie americano. Tras el interludio de la mediocre A los que aman (1998), intento fallido de emular a la Jane Campion de El Piano en tierras gallegas, la realizadora catalana decidió refugiarse en el tipo de cine que mejor dominaba aportando la notable Mi vida si mí (2003) y la interesante La vida secreta de las palabras (2005).

Dichas cintas encumbraron a la directora en el panorama nacional y parte del internacional. De ahí llegó su única experiencia propiamente americana la correcta Elegy (2008), cinta salvada más por su pareja protagonista que por la labor de su realizadora.

Mapa de los sonidos de Tokio demuestra que Coixet debería plantearse dar un giro a su carrera. Todo suena a visto y oído. Su lirismo ha tornado en impostación, su modernidad en falsa poesía y su universo personal en artificio carente de vida.

La historia nos cuenta la relación sexual que se establece entre un vinatero (imposible Sergi López) y su futura asesina (improbable Rinko Kikuchi), Sus escenas sexuales carecen de morbo, sensualidad y las referencias a mitos cinéfilos previos como El último tango en París más que beneficarla, la perjudican.

A esto habría que unir una lenta puesta en escena de Coixet y un guión pésimo, con un narrador ominsiciente continuo que no tiene nunca sentido ni fin alguno. Pese a todo, Mapa de los sonidos de Tokio no es de lo peor estrenado de cine español de este año (ahí están muchas de las películas del primer semestre). Su factura técnica es irreprochable, destacando su notable fotografía y sonido. Pero un buen envoltorio no puede ocultar durante mucho rato el vacío interior. Y eso es lo que pasa con Mapa de los Sonidos de Tokio: se trata de una pompa de jabón, tan bella como inane y hueca.

En Resumen

Lo Mejor: su fotografía y sonido

Lo Peor: su artificio impostado

CRÉDITOS

Director: Isabel Coixet

Productor: Jaume Roures

Guión: Isabel Coixet

Fotografía: Jean Claude Larrieu
Montaje: Irene Blecua

Reparto:

Rinko Kikuchi ... Ryu

Sergi López ... David

Min Tanaka ... Narrador
Manabu Oshio ... Yoshi

Takeo Nakahara ... Nagara

Hideo Sakaki ... Ishida

CALIFICACIÓN: *

CRÍTICA: Mi vida en ruinas (O)

2009-08-09T10:48:00.000-07:00

Mi gran boda griega, comedia de escasas virtudes artísticas, fue uno de los grandes éxitos sorpresas del cine americano de 2002. La película sirvió para descubir a Nia Vardalos, artífice principal (guionista/protagonista) de la misma.

Sin embargo, dicho éxito no se repitió con posterioridad. Ni la versión televisiva de película, ni su petarda comedia drag-musical Connie & Carla consiguieron convertir Vardalos en digna sucesora de comediantes americanas como Goldie Hawn o Whoopie Goldberg.

Por ello, no resulta de extrañar que su nueva película, Mi vida en ruinas, sea un intento desesperado de volver a vivir las mieles del éxito. Intento, por lo demás, frustrado y claramente fallido.

Mi vida en ruinas nos narra el viaje turístico a través de Grecia de una guía con un peculiar grupo de visitantes de diversas nacionales. Sin embargo, la película cuenta con un guión pésimo que acumula gags mediocres, situaciones ridículas y todos los estereotipos posibles. La realización del veterano realizador americano Donald Petrie tampoco ayuda para salvar la función: una realización desganada y rutinaria, que acaba convirtiendo la película en una especie de video familiar vacacional, de los que todo invitado trata de evitar.

Al tratarse de una coproducción hispano-estadounidense, cuenta con cierta participación española. Sin embargo, ninguno de ellos debería destacarlo dentro de labor profesional: las actrices María Adánez y María Botto cuentan con los "interesantes" papeles secundarios de dos divorciadas españolas con las hormonas desatadas (sic) y dentro del equipo técnico destaca su director de fotografía, el (excelente) José Luis Alcaine en uno de sus trabajos menos loables.

En Resumen

Lo Mejor: ciertos planos de la Grecia turística
Lo Peor: los estereotipos que acumula

CRÉDITOS

Director: Donald Petrie
Productor: Michelle Chydzik / Tom Hanks

Guión: Mike Reiss
Fotografía: José Luis Alcaine

Montaje: Patrick Vito

Música: David Newman
Reparto:
Nia Vardalos ... Georgia
Richard Dreyfuss ... Irv
Alexis Georgoulis ... Kakas

Alistair McGowan ... Nico
María Botto ... Lala
María Adánez ... Lena

CALIFICACIÓN: O

CRÍTICA: Imago Mortis (O)

2009-07-26T11:47:00.000-07:00

Imago Mortis nos traslada al Siglo XVII. Antes de que se inventase la fotografía, un científico llamado Girolamo Fumagalli estaba obsesionado con la idea de reproducir imágenes. El descubrió que asesinando a una víctima y quitándole sus ojos, era posible reproducir en un papel la última imagen impresa en las retinas. Esa técnica tuvo el nombre de 'tanatografía' y en la actualidad, ese terrible ritual comienza a producirse en el interior de una escuela internacional de cine.

En estas líneas se puede resumir el argumento de la coproducción hispano-italiana que nos ocupa. La película, rodada en inglés, ha contado con una mayoría de equipo técnico italiano y una importante participación nacional en su reparto (su protagonista, Alberto Amarilla, además de Leticia Dolera, Álex Angulo o Geraldine Chaplin).

Ciertas opiniones procedentes del país transalpino calificaban la película del desconocido Stefano Bessoni como un inicio de la renovación del Giallo italiano. El Giallo italiano, creado en los 60, vivió sus momentos de explendor en los 70 y 80 con películas aclamadas de realizadores como Lucio Fulci o Darío Argento.

Hoy en día, el género malvive entre subproductos de difícil distribución internacional y mediocres obras de veteranos como Argento que no consiguen estrenarse fuera de Italia más allá de ciertos Festivales de género como Sitges.

Desgraciadamente Imago Mortis no supone más que un certificado del estado comatoso del otrora popular subgénero. Aburrida hasta la extenuación pese a su escaso minutaje; pretenciosa a más no poder en su puesta en escena y horriblemente interpretada, la cinta demuestra su incapacidad para renovar el género de terror italiano.

La película no se sostiene argumentalmente: su ritmo es soporífero y, cuando trata de aportar alguna novedad, ya es demasiado tarde. Su homenajes van desde directores veteranos italianos como los antes mencionados, las películas de apariciones (Sexto Sentido incluido), clásicos como El fotógrafo del pánico de Michael Powell haste mediocridades recientes como la popular saga gore-masoquista Saw.

En cuanto a las interpretaciones qué decir: los veteranos Geraldine Chaplin y Álex Angulo se pasean por la cinta con una cara de desear desaparecer cuánto antes, y los más jóvenes Alberto Amarilla o Leticia Dolera parecen tomarse demasiado en serio la propuesta, aportando unas interpretaciones lamentables.

En Resumen

Lo Mejor: nada

Lo Peor: lo innecesario de la propuesta

CRÉDITOS

Director: Stefano Bessoni

Productor: María Angulo / Tomás Cimadevilla

Guión: Stefano Bessoni / Luis Berdejo

Fotografía: Arnaldo Catinari

Montaje: Raimondo Aiello
Música: Zacarías de la Riva

Reparto:

Alberto Amarilla ... Bruno

Oona Chaplin ... Arianna

Leticia Dolera ... Leilou
Álex Angulo ... Caligari

Geraldine Chaplin ... Condesa Orsini

Francesco Carnelutti ... Astolfi

CALIFICACIÓN: O

CRÍTICA: Pagafantas (*** 1/2)

2009-07-05T11:13:00.000-07:00

Después de su aclamado corto Éramos pocos, Borja Cobeaga ha logrado finalmente debutar en el mundo del largometraje con su ópera prima Pagafantas. Este cronista se ha acercado a la misma con una frase en mente: "Una nueva comedia de cine español".

Una frase que, a priori, no debería ser despectiva. Pero tras los rotundos fracasos (artísticos que no comerciales) de Al final del Camino o Fuga de Cerebros, las esperanzas eran mínimas.

Sin embargo, lo que lo que diferencia a Pagafantas de las demás es la naturalidad y frescura que se consigue transmitir en cada escena. Una fresacura que viene de los estupendos diálogos y situaciones. Cobeaga demuestra que se puede hacer un humor inteligente y divertido sin caer en lo soez y escatológico.

La construcción dramática de los personajes es notable. Con sólo unas pinceladas, todos los personajes quedan definidos y sus comportamientos son siempre coherentes y comprensibles. Cuando alguno de ellos actúa de manera ridícula, la situación es divertida. Pero una diversión que funde humor y patetismo. La diferencia de esta cinta frente a las antes mencionadas es que te ríes con los personajes, no de ellos. Porque, en el fondo, reflejan en algún momento algo de nosotros mismos.

Para que todo ello funcione Cobeaga cuenta con un reparto ejemplar: la pareja protagonista, los desconocidos Gorka Otxoa y Sabrina Garciarena, aportan el grado de patetismo y ternura que requieren sus personajes. Están acampañados por un reparto de secundarios ejemplar encabezados por unos excepcionales Óscar Ladoire y Kiti Manver, que desde este momento deberían figurar entre los favoritos al Goya a Mejor Actor y Actriz de Reparto respectivamente.

En Resumen

Lo Mejor: su (excelente) guión y reparto
Lo Peor: que pase desapercibida frente a propuestas muy inferiores

CRÉDITOS
Director: Borja Cobeaga
Productor: María Angulo / Tomás Cimadevilla
Guión: Borja Cobeaga/ Diego San José

Fotografía: Alfonso Postigo

Montaje: Raúl de Torres

Música: Aránzazu Calleja
Reparto:
Gorka Otxoa ... Chema
Sabrina Garciarena ... Claudia
Julián López ... Rubén

Óscar Ladoire ... Jaime
Kiti Manver ... Gloria
María Asquerino ... Sra. Begoña

CALIFICACIÓN: *** 1/2

CRÍTICA: Un buen hombre (*)

2009-05-02T09:41:00.000-07:00

Prolífico ayudante de dirección, Juan Martínez Moreno debutó con una notable comedia de acción llamada Dos hombres duros, de (inmerecida) trayectoria económica. Para su segunda incursión en el largo el realizador aborda un thriller de influencias que van de Fritz Lang, a Chaude Chabrol, pasando por Alfred Hitchcock.

Sin embargo, Un buen hombre se aleja de los resultados óptimos conseguidos por dichos autores, mostrando sus carencias de manera más que evidente: un narración falta de ritmo, un guión con demasiadas incongruencias, unos actores merecedores de papeles mejor elaborados y una sensación de fracaso en su conjunto.

A partir de un tema interesante (los celos profesionales de dos profesores universitarios, agravados por un súbito e inesperado asesinato), la cinta avanza a trompicones y sus intenciones críticas se diluyen en una puesta escena plana con vocación de trascendencia y profundidad.

A diferencia de Chabrol -representante ejemplar de la crítica social a la burguesía francesa de provicias con las formas del thriller-, los intentos del realizador de imitarle fracasan estrepitosamente con reiterativas referencias a la condición de católicos practicantes de sus (inmorales/criminales) protagonistas.

Tampoco la narración funciona como intriga, debido a varias secuencias de escasa credibilidad (¿alguién guardaría el arma de un crimen en su lugar de trabajo de acceso público?) que acaban por desmontar todo el entramado.

Su -a priori- eficaz reparto tiene que lidiar con unos personajes estereotipados: desde sus protagonistas, unos correctos Tristán Ulloa o Emilio Gutiérrez Caba, hasta unos desaprovechados Nathalie Poza o Alberto Jiménez.

El resultado final no puede ser al final menos destacado. La cinta acaba convirtiéndose en una más del panorama nacional. Ligeramente superior a otras recien estrenadas, sin embargo, muestra un escaso atractivo de cara a la taquilla o a la temporada de premios de final de año.

En Resumen

Lo Mejor: su banda sonora.

Lo Peor: la escasa credibilidad de la intriga.

CRÉDITOS

Director: Juan Martínez Moreno

Productor: Mariela Besuievski

Guión: Juan Martínez Moreno

Fotografía: Gonzalo Berridi

Montaje: Fernando Pardo

Música: Sergio Moure

Reparto:
Tristán Ulloa ... Vicente

Emilio Gutiérrez Caba ... Fernando
Nathalie Poza ... Paula
Alberto Jiménez ... Daniel

Noelia Noto ... Marisa

Jorge Ricoy ... Decano

CALIFICACIÓN: *

CRÍTICA: Fuga de Cerebros (O)

2009-04-26T10:41:00.000-07:00

Si el cine patrio podía enorgullecerse de algo era de la inexistencia de comedias teen escatológicas en su fondo fílmico. Salvo raras excepciones (Isi/Disi), nuestra cinematografía se salvaba de influencias tan "excelsas" como la saga Porky´s o American Pie.

Por ello, no podemos más que sentir un escalofrío ante el triunfal estreno de Fuga de cerebros. Mezcla del peor humor castizo, de unos chistes más antiguos que el de Humor Amarillo y una continua referencia a la escatología más evidente, la cinta puede ser el inicio de un subgénero en alza.

La cinta, junto a su pésimo guión, cuenta con una pobre puesta en escena y unas interpretacines olvidables de rostros televisivos: Mario Casas puede sentirse orgulloso de haber participado en 2 de las cintas más taquilleras del año: ésta y la (horrible) Mentiras y Gordas. Si en la cinta de Menken/Albacete lograba una buena interpretación, pese a la inconsistencia de su guión, en ésta no puede hacer nada ante la suma de tópicos, situaciones absurdas y diálogos insalvables. En el caso de la bella (y olvidable) actriz Amaia Salamanca, sólo se puede decir que su participación en la hortera serie de Tele 5, "Sin tetas..." ha acabado resultando premonitoria.

En Resumen

Lo Mejor: los (poco aprovechados) escenarios de Oxford

Lo Peor: todo lo demás

CRÉDITOS

Director: Fernando Glez. Molina

Productor: Daniel Écija / Mercedes Gamero

Guión: Álex Pina / Curro Velázquez

Fotografía: Sergio Delgado

Montaje: Irene Blecua

Música: Manel Santisteban

Reparto:

Mario Casas ... Emilio

Alberto Amarilla ... Chuli

Amaia Salamanca ... Natalia

Caco Rodríguez ... Cabra

Gorka Lasaosa ... Ruedas

Pablo Pernedo ...Corneto

CALIFICACIÓN: O

CRÍTICA. Al final del Camino (O)

2009-04-10T11:53:00.000-07:00

El cine patrio está lleno de futuras promesas que nunca llegan a cuajar. El punto en común es algún corto que llama a la atención y un conjunto de largos caracterizados por su mediocridad y falta de originalidad.

Uno de estos casos es Roberto Santigo: tras un interesante corto, Ruleta, que participó en la Sección Oficial del Festival de Cannes, su carrera posterior ha ido disipando cualquier esperanza existente.

Tras un pésimo debut en el largo, la horrible Hombres felices, Santiago abandona cualquier seña de identidad para convertirse en un nuevo ejemplo de director de comedias costumbristas, llenas de tópicos, al servicio de alguna estrella surgida de la pantalla catódica.

De esta manera nace el tandem formado por el realizador y el inefable Fernando Tejero, actor que a través de sus películas repite todos los tics y maneras que le hicieron popular en la comedia televisiva Aquí no hay quien viva.

El éxito comercial (que no artístico) de El penalti más grande jamás contado, prometía convertir al dúo en una versión actualizada de Ozores-Pajares. Sin embargo, el fracaso de su siguiente propuesta, la igualmente mediocre El club de los suicidas, ha obligado a la pareja a recurrir a a un tercero para afianzar el éxito de su nueva cinta.

De este modo, Al final del Camino, se acaba convirtiendo en una mera excusa argumental para reunir en pantalla a Tejero con Malena Alterio, con la que compartió cientos de horas bajo el auspicio de José Luis Moreno y Antena 3. Ambos son la razón de ser de esta cinta y, como tal, el resto de actores del reparto sólo funcionan como meros apéndices de su pareja protagonista.

El mayor problema de la película no es intentar repetir un éxito previo (el cine americano se caracterizó en el pasado por famosas parejas cinematográficas), sino abastecerles de un andamiaje tan frágil: un guión pésimo, con unos diálogos pobres, situaciones vergonzantes y una puesta en escena paupérrima.

Por todo ello, el resultado de la cinta no puede ser menos gratificante. El que funcione en taquilla o no es otro cantar.

En Resumen

Lo Mejor: una (desaprovechada) Malena Alterio

Lo Peor: un (insoportable) Fernando Tejero

CRÉDITOS

Director: Roberto Santiago
Productor: Ignacio Salazar
Guión: Javier Gullón / Roberto Santiago
Fotografía: Juan Antonio Castaño
Montaje: Ángel Armada
Reparto:
Fernando Tejero ... Nacho
Malena Alterio ... Pilar
Javier Gutiérrez ... José
Diego Peretti ... Olmo
Cristina Alcázar ... Bea
Javier Mora ... Antonio

CALIFICACIÓN: O

CRÍTICA: Mentiras y Gordas (O)

2009-03-29T09:37:00.000-07:00

El dúo Menken/Albacete regresa a las pantallas españolas con Mentiras y Gordas, supuesto retrato generacional de la juevntud española actual. La cinta nos narra la vida de un grupo de jóvenes veinteañeros de vacaciones en una localidad costera al lado del mediterráneo. Su ocio se reduce a lo largo de la cinta a salir de discoteca en discoteca, de fiesta en fiesta, de pastilla en pastilla y entre encuentros sexuales.

Este reduccionismo en su visión de la juventud española acaba dominando toda la narración, convirtiéndola en una reiteración de secuencias anodinas.

Ciertos críticos han tratado de comparar la cinta con Historias del Kronen de Armendáriz. la diferencia entre ambas radica en el nihilismo y cierta crítica social presente en la película del veterano realizador vasco, inexistente en la actual. Albacete y Menken ya se habían acercado previamente al mundo de la noche (Más que amor, frenesí o Atómica). Y, al igual que dichos casos, su obra se ha caracterizado por la busqueda de la provocación y superficialidad, excluyendo cualquier análisis de las causas de este fenómeno social.

Por ello, resulta chocante la presencia de Ángeles Glez. Sinde como co-firmante de su guión. La obra de Sinde se ha caracterizado habitualmente por un acercamiento maduro a la realidad que nos rodea. Esta falta de profundidad convierte la película en una consecución de escenas gratuitas, que finalizan con una resolución dramática, previsible y carente de sentido.

Este vacío narrativo lo ocultan sus realizadores mediante una puesta en escena con influencias del mundo del videoclip y un reparto lleno de caras conocidas procedentes de exitosas series de TV. Pese a tener que lidiar con unos diálogos imposibles, algunos consiguen llevar a cabo una eficaz labor interpretativa. Este es el caso de Mario Casas, Ana María Polvorosa o Yon González. Pero su naturalidad y profesionalidad no logra salvar la cinta de la mediocridad más absoluta.

En Resumen

Lo Mejor: las interpretaciones de parte de su reparto.
Lo Peor: todo lo demás.

CRÉDITOS

Director: Alfonso Albacete / David Menkes
Productor: Gerardo Herrero
Guión: Alfonso Albacete / Ángeles Glez. Sinde / David Menkes
Fotografía: Alfredo Mayo
Música: Juan Carlos Molina / Juan Manuel Sueiro

Montaje: Fernando Pardo

Reparto:
Mario Casas ... Toni
Ana de Armas ... Carola
Yon González ... Nico
Ana María Polvorosa ... Marina
Maxi Iglesias ... Pablo
Miriam Giovanelli ... Paz

CALIFICACIÓN: O

CRÍTICA: Los abrazos rotos (*** 1/2)

2009-03-20T11:13:00.000-07:00

Después de la emotiva Volver, Pedro Almodóvar vuelve a demostrar que no es un director acomodaticio, algo habitual en la cinematografía actual. El realizador manchego se plantea cada película como un nuevo reto. En ocasiones estos giros suponen un éxito (Hable con Ella), en otros una decepción (La mala educación). Pero nadie puede negar que su versatilidad.

Los abrazos rotos puede ser interpretada por mucha gente como una decepción o un paso atrás frente a Volver. Frente a la sencillez narrativa de ésta, Almodóvar aborda una historia más compleja tanto a nivel guión como de puesta en escena. La cinta gira alrededor de los afectos, obsesiones, amores condenados, traiciones y otras pasiones en los que se ven embarcados los personajes principales de la cinta.

La cinta cuenta con varios niveles narrativos y estéticos. Dentro de ella conviven 2 películas: el cine liviano del manchego cuyo mejor ejemplo sería Mujeres al borde... y el cine más dramático actual representado por obras como Hable con ella. Almodóvar se autohomenajea, aportando algunas de las secuencias más divertidas de la película, pero hay un trasfondo de tristeza en las mismas. Se trata de un cine demandado por sus fans, pero una fase ya superada por su autor. Esta convivencia de 2 películas acaba desequilibrando el resultado final.

Este desequilibrio también se manifiesta en su reparto: frente a un excelente Jose Luis Gómez y unos notables Lluis Homar o Penélope Cruz, nos encontramos el esforzado trabajo de Blanca Portillo, el correcto de Tamar Novar o el mediocre de Rubén Ochandiano.

Pese a sus irregularidades Los abrazos rotos acaba siendo un paso más hacia adelante en la filmografía almodovariana. Aporta algunos de los momentos mejores de su cine (la confesión/doblaje del personaje de Penélope), una puesta en escena brillante y una factura técnica irreprochable. Mucho más de lo habitual en la rácana cinematografía nacional.

En Resumen

Lo Mejor: la brillantez formal

Lo Peor: cierto desequilibrio narrativo

CRÉDITOS

Director: Pedro Almodóvar
Productor: Agustín Almodóvar / Esther García
Guión: Pedro Almodóvar
Fotografía: Rodrigo Prieto

Montaje: José Salcedo

Música: Alberto Iglesias
Reparto:
Penélope Cruz ... Lena

Lluis Homar ... Mateo Blanco / Harry Caine
Blanca Portillo ... Judit García
José Luis Gómez ... Ernesto Martel
Tamar Novar ... Diego
Rubén Ochandiano ... Ray X

CALIFICACIÓN: *** 1/2

CRÍTICA: Dieta Mediterránea (* 1/2)

2009-02-08T08:32:00.000-08:00

El irregular realizador Joaquín Oristrell regresa a nuestras pantallas con una comedia entre fogones. La historia bebe de numerosas fuentes: de la comedia americana clásica (su protagonista muestra una fiereza e independencia digna de las mejores heroínas hawksianas y una dulzura que la acerca a la Audrey Hepburn de Sabrina). Pero la cinta no sólo reduce su influencia al cine clásico americano, sino también a Jules et Jim de Truffaut (con menage a trois incluído) o a recientes éxitos de la comedia actual (véase Deliciosa Martha o Fuera de Carta).

La película lanza un mensaje libertario-sentimental sin moralinas de cualquier índole a través de la peripecia de esta aspirante a chef, sus 2 amores y la familia que la rodea. Sin embargo, la película empequeñece frente a las modelos en los que se mira: su guión no es tan brillante, la dirección es excesivamente televisiva y, como en muchas de las comedias españolas recientes, sus actores consiguen salvar la cinta del olvido general.

Y es que Oristrell siempre ha conseguido obtener buenas interpretaciones de sus repartos, incluso en sus peores cintas. Por ello, es una magnética Olivia Molina quien merece las mayores alabanzas de la cinta, junto con un notable Alfonso Bassave y los siempres estupendos secundarios Carmen Balagué, Jesús Castejón y Roberto Álvarez.

En resumen

Lo Mejor: Olivia Molina y el resto del reparto.

Lo Peor: la falta de garra habitual en este tipo de producciones.

CRÉDITOS

Director: Joaquín Oristrell

Productor: Gerardo Herrero / Marta Estéban

Guión: Joaquín Oristrell / Yolanda Gª Serrano

Fotografía: Albert Pascual

Montaje: Domi Parra / Aixalá

Reparto:

Olivia Molina ... Sofía

Paco León ... Toni

Alfonso Bassave ... Frank

Carmen Balagué ... Loren

Robert Álvarez ... Ramón

Jesús Castejón ... Pepe

CALIFICACIÓN: * 1/2

PREMIOS GOYA 2008: Triunfo de Camino y El Truco del Manco

2009-02-02T10:06:00.000-08:00

La Academia de Cine Español encumbró la pasada noche de ayer Camino como la mejor cinta española del año.

Camino, dura diatriba contra el integrismo religioso representado por el Opus Dei, recibió 6 Goyas de las 7 candidaturas a las que optaba. La cinta consiguió los galardones a la Mejor Película; Director (Javier Fesser); Actriz Protagonista (Carme Elías); Actor de Reparto (Jordi Dauder); Actriz Revelación (Nerea Camacho) y Guión Original. Únicamente se le escapó el Goya a los mejores efectos especiales lo que le impidió hacer pleno.

Otra de las sorpresas de la noche la dió El truco del manco que recibió los 3 galardones a los que optaba: mejor dirección novel (Santiago Zannou); Actor Revelación (Juan Manuel Montilla) y Canción Original.

Los premios de interpretación también reconocieron la labor de 2 intérpretes cde proyección internacional como Benicio del Toro - por su portentosa interpretación de Ernesto Guevara en Che, el argentino - y Penélope Cruz, por su premiadísima participación en la película española de Woody Allen, Vicky Cristina Barcelona.

El resto del palmarés estuvo bastante repartido: así, Los crímenes de Oxford obtuvo tres premios técnicos, mientras las 2 películas más nominadas del año Los girasoles ciegos y Sólo quiero caminar tuvieron que conformarse con un premio cada una de sus iniciales 15 y 10 nominaciones respectivas.

El PALMARÉS DE LOS PREMIOS GOYA 2008 se enumera a continuación:

MEJOR PELÍCULA: Camino de Javier Fesser

MEJOR DIRECTOR: Javier Fesser por Camino

MEJOR DIRECCIÓN NOVEL: Santiago Zannou por El truco del manco

MEJOR ACTOR PROTAGONISTA: Benicio del Toro por Che, el argentino

MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA: Carmen Elías por Camino

MEJOR ACTOR DE REPARTO: Jordi Dauder por Camino

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO: Penélope Cruz por Vicky Cristina Barcelona

MEJOR ACTOR REVELACIÓN: Juan Manuel Montilla por El truco del manco

MEJOR ACTRIZ REVELACIÓN: Nerea Camacho por Camino

MEJOR GUIÓN ORIGINAL: Javier Fesser por Camino

MEJOR GUIÓN ADAPTADO: Rafael Azcona / José Luis Cuerda por Los girasoles ciegos

MEJOR FOTOGRAFÍA: Paco Femenía por Sólo quiero caminar

MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Antxon Gómez por Che, el argentino

MEJOR VESTUARIO: Lala Huete por El Greco

MEJOR MAQUILLAJE Y/O PELUQUERÍA: José Quetglás, Blanca Sánchez, Mar Paradela por Mortadelo y Filemón 2

MEJOR DIRECCIÓN DE PRODUCCIÓN: Rosa Romero por Los crímenes de Oxford

MEJOR CANCIÓN ORIGINAL: 'A tientas', de El truco del manco - Woulfrank Zannou, Juan Manuel Montilla

MEJOR MÚSICA ORIGINAL: Roque Baños por Los crímenes de Oxford

MEJOR MONTAJE: Alejandro Lázaro por Los crímenes de Oxford

MEJOR SONIDO: Daniel de Zayas, Jorge Marín, Maite Rivera por 3 días

MEJORES EFECTOS ESPECIALES: Raúl Romanillos, Pau Costa, Pepe Quetglás, Eduardo Díaz, Álex Grau, Chema Remacha por Mortadelo y Filemón 2

MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN: El lince perdido de Manuel Sicilia y Raúl García

MEJOR PELÍCULA DOCUMENTAL: Bucarest, la memoria perdida de Albert Solé

MEJOR PELÍCULA EUROPEA: 4 meses, 3 semanas, 2 días de Christian Mungiu (Rumanía)

MEJOR PELÍCULA DE HABLA HISPANA: La buena vida, de Andrés Wood (Chile)

MEJOR CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓN: La increíble historia del hombre sin sombra de José Esteban Alenda

MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL: Héroes. No hacen falta alas para volar de Ángel Loza

CORTOMETRAJE DE FICCIÓN: Miente de Isabel Docampo

GOYA DE HONOR: Jesús Franco

PREMIOS LUCES DE LA CIUDAD 2008: Camino triunfa con 6 premios

2009-02-01T15:22:00.000-08:00

MEJOR PELÍCULA: Camino de Javier Fesser

MEJOR DIRECCIÓN: Javier Fesser por Camino

MEJOR DIRECCIÓN NOVEL: Francisco Javier Gutiérrez por 3 días

MEJOR INTERPRETACIÓN MASCULINA PROTAGONISTA: Benicio del Toro por Che, el argentino

MEJOR INTERPRETACIÓN FEMENINA PROTAGONISTA: Maribel Verdú por Los girasoles ciegos

MEJOR INTERPRETACIÓN MASCULINA DE REPARTO: Mariano Venancio por Camino

MEJOR INTERPRETACIÓN FEMENINA DE REPARTO: Penélope Cruz por Vicky Cristina Barcelona

MEJOR ACTOR REVELACIÓN: José María Yazpik por Sólo quiero caminar

MEJOR ACTRIZ REVELACIÓN: Nerea Camacho por Camino

MEJOR GUIÓN ORIGINAL: Javier Fesser por Camino

MEJOR GUIÓN ADAPTADO: Peter Buchman por Che, el argentino

MEJOR FOTOGRAFÍA: José David Montero por El rey de la montaña

MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Balter Gallart por Los girasoles ciegos

MEJOR VESTUARIO: Sonia Grande por Los girasoles ciegos

MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA: José Hernández y Antonio Panizza por Los años desnudos

MEJOR DIRECCIÓN DE PRODUCCIÓN: Cristina Zumárraga por Che, el argentino

MEJOR MÚSICA ORIGINAL: Roque Baños por Los crímenes de Oxford

MEJOR MONTAJE: José Salcedo por Todos estamos invitados

MEJOR SONIDO: R. Ivey, M. Orts y A. Manera por Transsiberian

MEJORES EFECTOS ESPECIALES: R. Romanillos, A. Balseiro y F. Piquer por Camino

QUINIELA GOYA 2008

2009-01-31T11:25:00.000-08:00

MEJOR PELÍCULA

Favorita: Los girasoles ciegos
Ganará: Camino
Debería ganar: Camino
Podría dar la sorpresa: Sólo quiero caminar
Sin opciones: Los crímenes de Oxford

MEJOR DIRECCIÓN

Favorita: José Luis Cuerda (Los girasoles ciegos)
Ganará: Javier Fesser (Camino)
Debería ganar: Javier Fesser (Camino)
Podría dar la sorpresa: Agustín Díaz Yanes (Sólo quiero caminar)
Sin opciones: Álex de la Iglesia (Los crímenes de Oxford)

MEJOR DIRECCIÓN NOVEL

Favorita: Belén Macías (El patio de mi cárcel)
Ganará: Belén Macías (El patio de mi cárcel)
Debería ganar: Nacho Vigalondo (Los cronocrímenes)
Podría dar la sorpresa: Santiago Zannou (El truco del manco)
Sin opciones: Irene Cardona (Un novio para Yasmina)

MEJOR ACTOR PROTAGONISTA

Favorito: Raúl Arévalo (Los girasoles ciegos)
Ganará: Javier Cámara (Fuera de carta)
Debería ganar: Benicio del Toro (Che, el argentino)
Podría dar la sorpresa: Diego Luna (Sólo quiero caminar)
Sin opciones: Benicio del Toro (Che, el argentino)

MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA

Favorita: Maribel Verdú (Los girasoles ciegos)
Ganará: Carmen Elías (Camino)
Debería ganar: Maribel Verdú (Los girasoles ciegos)
Podría dar la sorpresa: Verónica Echegui (El patio de mi cárcel)
Sin opciones: Ariadna Gil (Sólo quiero caminar)

MEJOR ACTOR DE REPARTO

Favorito: José Ángel Egido (Los girasoles ciegos)
Ganará: José Ángel Egido (Los girasoles ciegos)
Debería ganar: José Mª Yezpik (Sólo quiero caminar)
Podría dar la sorpresa: Jordi Dauder (Camino)
Sin opciones: Fernando Tejero (Fuera de carta)

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO

Favorita: Penélope Cruz (Vicky Cristina Barcelona)
Ganará: Penélope Cruz (Vicky Cristina Barcelona)
Debería ganar: Penélope Cruz (Vicky Cristina Barcelona)
Podría dar la sorpresa: Tina Sáinz (Sangre de mayo)
Sin opciones: Elvira Mínguez (Cobardes); Rosana Pastor (La conjura de El Escorial)

MEJOR ACTOR REVELACIÓN

Favorito: Juan Manuel Montilla (El truco del manco)
Ganará: Juan Manuel Montilla (El truco del manco)
Debería ganar: Álvaro Cervantes (El juego del ahorcado)
Podría dar la sorpresa: Martín Rivas (Los girasoles ciegos)
Sin opciones: Luis Bermejo (Una palabra tuya)

MEJOR ACTRIZ REVELACIÓN

Favorita: Nerea Camacho (Camino)
Ganará: Nerea Camacho (Camino)
Debería ganar: Ana Wagener (El patio de mi cárcel)
Podría dar la sorpresa: Esperanza Pedreño (Una palabra tuya)
Sin opciones: Farah Hamed (Retorno a Hansala)

MEJOR GUIÓN ORIGINAL

Favorito: Camino
Ganará: Camino
Debería ganar: Camino
Podría dar la sorpresa: Sólo quiero caminar
Sin opciones: Cenizas del cielo; Retorno a Hansala

MEJOR GUIÓN ADAPTADO

Favorito: Los girasoles ciegos
Ganará: Los girasoles ciegos
Debería ganar: Che, el argentino
Podría dar la sorpresa: Una palabra tuya
Sin opciones: Los crímenes de Oxford

MEJOR FOTOGRAFÍA

Favorita: Los girasoles ciegos
Ganará: Sólo quiero caminar
Debería ganar: Sólo quiero caminar
Podría dar la sorpresa: Sangre de mayo
Sin opciones: La conjura de El Escorial

MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA

Favorita: Los girasoles ciegos
Ganará: Sangre de mayo
Debería ganar: Los girasoles ciegos
Podría dar la sorpresa: La conjura de El Escorial
Sin opciones: Che, el argentino

MEJOR VESTUARIO

Favorita: Los girasoles ciegos
Ganará: El Greco
Debería ganar: Los girasoles ciegos
Podría dar la sorpresa: Sangre de mayo
Sin opciones: La conjura de El Escorial

MEJOR MAQUILLAJE Y / O PELUQUERÍA

Favorita: Sangre de mayo
Ganará: Sangre de mayo
Debería ganar: Los girasoles ciegos
Podría dar la sorpresa: Mortadelo y Filemón 2
Sin opciones: La conjura de El Escorial

MEJOR DIRECCIÓN DE PRODUCCIÓN

Favorita: Los crímenes de Oxford
Ganará: Los crímenes de Oxford
Debería ganar: Che, el argentino
Podría dar la sorpresa: Sólo quiero caminar
Sin opciones: Los girasoles ciegos

MEJOR CANCIÓN ORIGINAL

Favorita: Una palabra tuya
Ganará: Una palabra tuya
Debería ganar: El patio de mi cárcel
Podría dar la sorpresa: El truco del manco
Sin opciones: Retorno a Hansala

MEJOR MÚSICA ORIGINAL

Favorita: Che, el argentino
Ganará: Che, el argentino
Debería ganar: Los crímenes de Oxford
Podría dar la sorpresa: Los girasoles ciegos
Sin opciones: El juego del ahorcado

MEJOR MONTAJE

Favorita: Sólo quiero caminar
Ganará: Sólo quiero caminar
Debería ganar: Los crímenes de Oxford
Podría dar la sorpresa: Los girasoles ciegos
Sin opciones: Mortadelo y Filemón 2

MEJOR SONIDO

Favorita: Sólo quiero caminar
Ganará: Sólo quiero caminar
Debería ganar: 3 días
Podría dar la sorpresa: Los girasoles ciegos
Sin opciones: Sangre de mayo

MEJORES EFECTOS ESPECIALES

Favorita: Camino
Ganará: Camino
Debería ganar: Camino
Podría dar la sorpresa: Mortadelo y Filemón 2
Sin opciones: Sangre de mayo; Sólo quiero caminar

MEJOR DOCUMENTAL

Favorita: El pollo, el pez y el cangrejo real
Ganará: El último truco
Debería ganar: El último truco
Podría dar la sorpresa: Old Man Bebo
Sin opciones: Bucarest, la memoria perdida

MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN

Favorita: Donkey Xote
Ganará: Donkey Xote
Debería ganar: El lince perdido
Podría dar la sorpresa: El espíritu del bosque
Sin opciones: RH+ el vampiro de Sevilla

MEJOR PELÍCULA EUROPEA

Favorita: 4 meses, 3 semanas, 2 días
Ganará: 4 meses, 3 semanas, 2 días
Debería ganar: 4 meses, 3 semanas, 2 días
Podría dar la sorpresa: Al otro lado
Sin opciones: El caballero oscuro; El niño del pijama de rayas

MEJOR PELÍCULA DE HABLA HISPANA

Favorita: La buena vida
Ganará: La buena vida
Debería ganar: Perro come perro
Podría dar la sorpresa: Perro come perro
Sin opciones: Acné; Lake Tahoe

CRÍTICA: La Mujer del Anarquista (O)

2009-01-25T08:22:00.000-08:00

Nueva muestra del subgénero "Guerra Civil Española", La mujer del anarquista trata de repetir (sin éxito) los pasos seguidos por recientes cintas como Las 13 Rosas o Los Girasoles Ciegos. Dirigida por el matrimonio Sehr - Noëlle en régimen de coproducción internacional, la cinta trata de ser un homenaje a los republicanos españoles que lucharon por sus ideales, a la vez que una intensa historia de amor al margen de la adversidad.

Sin embargo, las buenas intenciones no sirven cuando el resultado acaba siendo tan pobre.La película acumula todos los peores despropósitos del subgénero: un guión lamentable con un sesgo panfletario en sus diálogos y situaciones ridículas como el intento de magnicidio fallido en el Azor.

A su base narrativa se une una realización carente de ritmo y plana a nivel audiovisual que incluye una pésima combinación de imágenes de archivo con dramatizadas, una decoración de cartón-piedra (la influencia del exitoso serial "Amar en tiempos revueltos" es evidente), un sonido irregular y una pareja protagonista imposible.

Tanto Juan Diego Botto como María Valverde son intérpretes capaces de lo mejor (Martín Hache -él- y La flaqueza del bolchevique - ella-) como de lo peor (La Celestina o Los Borgia, respectivamente). En esta ocasión sus interpretaciones son insalvables por la falta de credibilidad de su pareja protagonista: unos pijos del barrio de salamanca (sic) de ideas anarquistas, él, abogado y ella, cantante de ópera.

El resultado final, por todo ello, acaba siendo anodino y aburrido, algo a lo que contribuye sus (excesivos) 12o minutos de metraje.

En Resumen

Lo Mejor: el vestuario

Lo Peor: lo ridículo de la propuesta

CRÉDITOS

Director: Marie Noelle / Peter Sëhr
Productor: Marie Noelle / Peter Sëhr
Guión: Marie Noelle / Ray Loriga
Fotografía: Jean Francois Robin

Montaje: Luis de La Madrid
Música: Zacarías de la Riva

Reparto:
María Valverde ... Manuela
Juan Diego Botto ... Justo
Ivana Baquero ... Paloma
Nina Hoss ... Lenin
Jean Marc Barr ... Pierre
Adriá Collado ...Francisco

CALIFICACIÓN: O